Valor y al cine

El dedo en la llaga

2010-08-05T13:23:00.002+02:00

Ficha técnica

Director: Alberto Lecchi
País: Argentina, España
Duración: 110 minutos
Género: Drama
Intérpretes: Juanjo Puigcorbé, Karra Elejalde, Darío Grandinetti, Luisina Brando, Mario Pasik, Diego Topa, Erica Rivas, Martín Kalwill, Eleonora Wexler, Gustavo Chantada
Música: Ivan Wyszogrod
Fotografía: Hugo Colace
Guión: Alberto Lecchi y Daniel Romañach
Año: 1996.

Sinopsis
Eduardo Peña y Angel Ruiz son dos actores españoles que se encuentran de gira por Argentina. Intentan conseguir el éxito allá con una obra de teatro que habla del hombre y su tránsito por la vida, pero los espectadores escasean cada vez más. Un día su viejo automóvil se estropea y se detienen en Zapallares, un pueblo perdido. Allí, en vísperas de las elecciones municipales, se encuentran con un viejo amigo, el profesor Roberto Tolosa, crítico con la construcción de un nuevo hotel y con la clase política del lugar y que tratará reabrir un teatro con la ayuda de sus alumnos de quinto año, a pesar de la oposición de los políticos.

Comentario
He tardado bastante en colocar esta película en el blog, y es muy raro porque es de las mejores películas argentinas que he visto. Emotiva, sincera, poética y crítica.
La razón de este retraso es que se trata de una película difícil de conseguir, ya que no ha salido publicada en DVD y es difícil de descargar vía Internet. Yo aún conservo la copia original en VHS y alguna vez la vuelvo a ver con la misma emoción de la primera vez.
La película, argumentalmente hablando, no es gran cosa, pero como la mayor parte de la producción argentina que nos llega, con esa forma de contárnosla pausada y cargada de personajes cercanos y entrañables, hace que nos identifiquemos con esas pequeñas historia que nos presentan.

Los valores que podemos trabajar son múltiples:
La amistad verdadera, la que une a Eduardo y a Angel, y la que se da después entre ellos y Tolosa, el “loco” Tolosa.
La lucha por la utopía, desde los jóvenes que por falta de experiencia se dejan manipular, hasta la gente que ya no puede luchar por agotamiento.
La solidaridad de todo el mundo cuando hay algo por lo que luchar.
La cooperación que se da entre todos los jóvenes a la hora de rehabilitar el teatro.
La esperanza en un mundo mejor, como pone al final, “hasta La Victoria”.
El crecimiento, personal y grupal de los componentes de los “regresados” de Zapallares.

No me fijo demasiado en los valores negativos que rodean la película, la mayoría fijados en la clase política, contravalores como la manipulación, la prevaricación, la deshumanización, el afán de acumular y de aprovecharse de los demás.

Luego tenemos temas importantes para trabajar con los grupos a los que les pongamos la película:
El amor al teatro impera por toda la película, estos dos actores que marcharon a América para triunfar y que no logran más que representar en garitos de mala muerte, como el que se ve nada más comenzar la película, o teatros abandonados como el de Zapallares. Pero a pesar de todo siguen luchando ilusionados por esa vida que les quita cosas pero les aporta otras.
El crecimiento y cómo la vida nos va desencantando, visto en el diálogo que mantienen en la pensión de Mirta los tres protagonistas y cuando cuenta Tolosa cómo pidió ayuda para la escuela y le mandaron banderitas.
La literatura, desde textos de poetas como Neruda hasta los propios del film.

Termino con una crítica que hice yo mismo en la página web de filmaffinity

Para los jóvenes.

Para los desesperados.
Para los que ya no tienen ilusión.

Para los que están al pedo.

Para los que jamás pudieron ver una obra de teatro.

Para los que ya no tienen ganas de reir.

Para los que luchan por cambiar la realidad.

Para los que no se dejan cambiar.

ESTA ES VUESTRA PELÍCULA.

Y el último, que apague la luz.

Hasta la Victoria siempre

Todo el bien del mundo (Un mundo menos peor)

2010-07-28T09:36:00.003+02:00

Dirección y guión: Alejandro Agresti.

País: Argentina.

Año: 2004.

Duración: 90 min.

Género: Drama.

Interpretación: Mónica Galán (Isabel), Julieta Cardinali (Leticia), Carlos Roffe (Cholo), Ulises Dumont (Mario), Mex Urtizberea (Miguel), Rodrigo Noya (Marcelo), Lidia Catalano (Floria), Eduardo Argaranaz (Lalo), Agustina Noya (Beba), Óscar Alegre.

Producción: Alejandro Agresti.

Música: Philippe Sarde.

Fotografía: José Manuel Cajaraville.

Montaje: Alejandro Brodersohn.

Diseño de producción: María Eugenia Suerio.

Vestuario: Julio Suárez.

Sinopsis:
Una mujer descubre que su marido, al que creía muerto durante más de veinte años, vive en un pequeño pueblo del sur de Argentina. Isabel (Mónica Galán) viaja hasta allí con su hija, que nunca ha conocido a su padre. Juntas intentarán que recupere la memoria y le ofrecerán una familia.

Comentario:
Aunque no es un director muy conocido por estas tierras, aunque sus películas suelen ser un poco pretenciosas y un tanto fallidas, aunque muchas veces se duda de su capacidad de dirigir y actuar a la vez como en “El sueño de Valentín”, Alejandro Agreste tiene algo que hace que su cine llegue a generar sensaciones en el espectador.
Esta película, que nos llegó muy tarde a España, arropada por el tirón que suponía el estreno aquí de la primera película que el director rodó en Estados Unidos, “La casa del lago”, película romántica con apuntes fantásticos, me parece una clara muestra de lo que pretende con su cine, llegar al espectador con historias más o menos elaboradas pero que puedan ser identificables para todos.
Desde la primera película suya que se nos estrenó aquí, “El viento se llevó lo que”, hasta la última hasta la fecha, la antes citada “La casa del lago”, si algo ha caracterizado su cine son los personajes, siempre mediatizados por sus historias.
Cine lento, en ocasiones tedioso, pero que se puede admirar por sus detalles.
En esta película que recomiendo veríamos los siguientes valores:
La familia: marcada por la desgracia de la situación que se dio en el país, la desaparición del padre antes del nacimiento de su hija y el difícil reencuentro.
La tortura: no muestra nada explícito pero se intuye todo “todo el que viene aquí es por algo”, desde solitarios a abandonados aparece un elenco importante de personajes.
La superación: cómo la gente busca alicientes en su vida, como el personaje de Ulises Dumont, que en su ancianidad aprende a pilotar.
La esperanza: muchas veces aludida en la película y marcada desde su título original, como dicen en un momento dado “¿Por qué en vez de querer cambiar el mundo no hacemos un mundo menos peor?”

A continuación resalto parte de la crítica que hizo un profesional sobre el film:
"Película sencilla y por momentos entrañable, si bien es cierto que no está destinada al público generalista. Su ritmo pausado y la sensación de que no acontecen demasiadas cosas en este relato tan minimalista pueden exasperar a no pocos espectadores. Y es que el director se toma su tiempo en presentarnos a los personajes y en perfilar los conflictos internos de los protagonistas, informándonos poco a poco de la vida que se esconde detrás de sus rostros. Dramas pasados y recientes se aglutinan con instantes más amables, gracias a los adecuados toques de humor que se añaden al libreto (ver la escena en la que la dueña de la casa en la que habitan de forma temporal Isabel y sus hijas va a visitarlas para luego cotillear con sus amigas, por no hablar del amigo de Cholo y su peculiar afición por la aviación).
Cabe alabar también la cuidada ambientación que consigue Agresti con su obra, introduciéndonos con naturalidad en el corazón de un pueblo y en las peculiaridades de sus habitantes, además de sorprendernos con su elegante y cuidada realización. ……
Respecto a los intérpretes, sin mostrarse espléndidos al menos nos emocionan cuando utilizan sus rostros para exteriorizar los sentimientos de sus personajes, especialmente en el caso de Mónica Galán y Carlos Roffé. El compositor Philippe Sarde aporta su granito de arena para que esto suceda gracias a su melosa música, aunque es verdad que en determinados instantes sobrepasa los límites de lo que debe ser una banda sonora y sus notas van más allá de las imágenes.”

En fin, película sencilla y muy recomendable para el que quiera emocionarse con una historia entrañable, mesurada y con ritmo pausado para su mejor degustación

Yo, también

2010-02-23T17:08:00.002+01:00

Título: Yo, también
Director: Álvaro Pastor, Antonio Naharro
Intérpretes: Lola Dueñas, Pablo Pineda, Isabel García Lorca, Pedro Álvarez Ossorio, Antonio Naharro, María Bravo, Consuelo Trujillo, Daniel Parejo, Lourdes Naharro, Catalina Lladó, Susana Monje, Joaquín Perles
Año de producción: 2009
Nacionalidad: España

Guión: Álvaro Pastor, Antonio Naharro
Fotografía: Alfonso Postigo
Música: Guille Milkyway

Sinopsis: Daniel, un joven sevillano de 34 años, es el primer europeo con síndrome de Down que ha obtenido un título universitario. Comienza su vida laboral en la administración pública donde conoce a Laura, una compañera de trabajo. Ambos inician una relación de amistad que pronto llama la atención de su entorno laboral y familiar.

Comentario: Cuando trabajas con personas con discapacidad te da por pensar quién es el que realmente es discapacitado, si nosotros, supuestamente “normales”, o ellos, que tienen un par más de cromosomas y, en muchas ocasiones, más sentimiento y cabeza que nosotros.
Si te acercas a ver esta película con ganas de ver un drama americano o una comedia europea no lo hagas. Estamos ante un drama romántico que nos cuenta una buena historia de amistad y de amor sin grandes tragedias y sin excesivas gracias.
Película que podríamos denominar dentro de un subgénero que no existe, que sería el de películas que trabajan el tema de discapacitados y que han dado buenas muestras como “León y Olvido” de Xavier Bermúdez (2004) o “El octavo día” de Jaco Van Dormael (1996). En éstas prima siempre la humanidad y la sinceridad con la que nos muestra una realidad a veces no tan alejada de la nuestra.
No es una película de Maestranza films, compañía que yo suelo recomendar, pero es cine rodado en el sur, bien elaborado y con un guión fácilmente creíble y cercano.
Los dos actores protagonistas dan una auténtica lección de interpretación e interiorización de sus papeles. Los secundarios acompañan muy acertadamente a éstos.
Se pueden trabajar varios temas y valores humanos:
- La amistad como tema fundamental de la película.
- La aceptación del diferente en un plano de igualdad.
- La familia en su doble vertiente: la familia funcional, la del chico, y la disfuncional, la de la chica.
- La superación de las barreras, tanto físicas como sociales.

Cine de gran calidad que se puede recomendar a la gente abierta a otras realidades y a todos los que busquen historias vitales sin exageración ni pastosos finales. Cine real y cercano

Despedidas

2010-02-23T08:57:00.004+01:00

Título: Okuribito
Director: Yojiro Takita
Intérpretes: Masahiro Motoki, Tsutomu Yamazaki, Ryoko Hirosue, Kazuko Yoshiyuki, Kimiko Yo, Takashi Sasano, Tôru Minegishi, Tetta Sugimoto
Guión: Koyama Kundo
Fotografía: Takeshi Hamada
Música: Joe Hisaishi
Año: 2008
Nacionalidad: Japón

Sinopsis: Daigo Kobayashi, antiguo violoncelista de una orquesta que se acaba de disolver, acaba vagando por las calles sin trabajo y sin demasiada esperanza. Por ello decide regresar a su ciudad natal en compañía de su esposa. Allí consigue un empleo como enterrador: limpia los cuerpos, los coloca en su ataud y los envía al otro mundo de la mejor forma posible. Aunque su esposa y sus vecinos contemplan con desagrado este puesto, Daigo descubrirá en este ritual de muerte la chispa vital que le faltaba a su propia vida.

Comentarios: Pocas películas tratan un tema tan delicado como la muerte con una carga tan grande de sencillez y sinceridad. Ambientada la acción en el Japón moderno en el que aún se valoran temas como el respeto a los mayores, el cariño de la familia y el paso de la vida a la muerte como un acontecimiento especial.
Película sensible, que no sensiblera, que nos presenta una realidad social, la oriental, y más concretamente la japonesa, donde el enterramiento es un rito en sí mismo, con la preparación del cadáver para su “despedida”.
A destacar todas las interpretaciones y todos sus personajes, desde ese hombre que busca trabajo y que se presenta al anuncio sin saber exactamente en qué consiste su cometido, y que una vez conocido, lo hace suyo a pesar de las dificultades que esto entraña, hasta su mujer que al principio no valora ese trabajo, más tarde lo detesta pero al final se da cuenta de lo importante que es.
Buena película para trabajar una serie de valores importantes:
- La constancia en las decisiones que se toman.
- El respeto a la muerte.
- El respeto a los mayores.
- La valoración de la familia.
- El crecimiento.
- La superación.
- El mantenimiento de las tradiciones.

Maravillosa película recomendable para todos los públicos, aunque más apropiada a partir de 3º de la ESO, por aquello de lo que pueden reflexionar a partir de ella.

Contra la pared

2009-06-17T12:05:00.002+02:00

Director: Fatih Akin
Actores: Birol Ünel, Sibel Kekilli, Catrin Striebeck, Guven Kirac, Meltem Cumbul, Cem Akin, Aysel Iscan, Zarah McKenzie, Stefan Gebelhoff, Francesco Fiannaca, Mona Mur, Ralf Misske
Año: 2004
Nacionalidad: Alemana, turca
Género: Drama
Trama: “Puedes acabar con tu vida sin matarte”, le susurra el médico. Cahit, 40 años, temporalmente recluido en una clínica psiquiátrica después de un intento de suicidio, entiende la críptica frase: debe volver a empezar. Pero su alma atormentada le obliga a ahogar su dolor en el alcohol y las drogas. Sibel, bonita, joven y turco-alemana (como Cahit), disfruta demasiado de la vida para ser una musulmana decente. Desesperada por escapar de la cárcel de su devota y conservadora familia, finge suicidarse. Pero no consigue la libertad, sino la deshonra. Sólo el matrimonio puede salvarla. Ruega a Cahit que se case con ella. Él acepta muy a pesar suyo. Quizá porque quiere salvarla o quizá porque quiere hacer algo por una vez en su vida. Comparten el piso y poco más. Ella disfruta de la libertad. Él ve esporádicamente a una medio novia. Pero el amor entra en su vida de puntillas. A medida que se enamora de Sibel, descubre la alegría, reúne fuerzas para seguir adelante. Ella sigue saliendo con otros hasta que, de pronto, también se da cuenta de que está enamorada de Cahit. Pero es demasiado tarde, un ataque de celos acaba en un homicidio. Encierran a Cahit en la cárcel y Sibel huye a Turquía. Su corazón y su mente siguen con Cahit, pero, ¿cuánto durará?

Comentario: Un recogebotellas sin futuro, un bebedor que lucha con el recuerdo de su esposa muerta. Una chica suicida que busca alejarse del rol tradicional de mujer turca, para acostarse con todos los que desee, tratando de evitar ese deseo real de cortarse las venas. Una propuesta de matrimonio, una amenaza de suicidio, y un “y por qué no” que termina por concretar una unión donde él fingirá ante la familia de ella, ella tratará de no afectar la libertad de él, y todos tan contentos.
El problema es que los problemas llegan aunque uno no los busque, y un amor naciente en un universo de conflicto no está exento de la etiqueta. Un amor en una casa que debe transformarse, entre dos personas que deben transformarse, y entre dos vidas que tratan de cruzarse pero mantienen la separación. Un reflejo de esa pseudo-vida previa, esa vida urbana en Alemania, siendo turcos alemanes que no acaban de encajar del todo y que viven (o sobreviven) con nostalgias o con deseos de olvidar el pasado; un reflejo ante el espejo de vida, que desea ser real y no un mero espejismo.
Amor complicado, amor doloroso, amor de ventanas a ese otro sitio donde todo puede ser mejor, donde uno deja de golpearse Contra la Pared.
Sin la menor intención de disimular el tono dramático de la historia, y pese a cortes a la luminosidad de una cantante y un grupo de música tradicional con Estambul de fondo como contraste, el director y guionista Fatih Akin hila una historia de salvación como motivo y como eje, con las pérdidas y retos que el amor representa, y con un tono de desesperanza que invade a los personajes junto con la música o las drogas, desde todos los frentes, librando batalla al amor, el motor universal que ojalá pueda lograr la redención anhelada.
Escenarios. Espacios. Puertas. La puerta del piso de Cahit, con todo y las pinturas, la puerta desde donde la familia turca se entera de lo que ocurre, la puerta del autobús que se cierra para llevar al pueblo turco, la ventana desde el cuarto de hotel donde se hace –construye- el amor , la puerta de cada bar –como antesala del infierno personal de los protagonistas-, la puerta de la cárcel de donde salen los asesinos tras cumplir la condena, la puerta de los cuartos de hospital, la puerta del auto que se abre para salvar la vida al cuerpo acuchillado... Con múltiples puertas y ventanas como testigos de esas transiciones y esos distintos mundos, la cinta es una suma de accesos (entradas, salidas), de marcos, de opciones, de rincones posibles en esa construcción del amor, de un amor que quiere la puerta cerrada para amar, y abierta para poder salir a gritos si es necesario.
Una historia de múltiples accesos, sí, pero una única lectura, una historia de drama en toda regla, con amor de fondo, con moralejas y con gusto amargo.
Una muy dramática puesta en escena, un par de estelares con papeles memorables (los roles de Birol Ünel y Sibel Kekilli son excelentes) y una historia de dolor y redención. Un drama de altas proporciones.
Como dato adicional, la cinta se llevó 27 premios mundiales, entre ellos el Oso de Oro en el Festival de Berlín 2004, el Goya a la mejor película europea del 2004 y los premios a mejor película y director del cine europeo.

El guión se le ocurrió al director por una experiencia que tuvo con una amiga turca que le pidió matrimonio por conveniencia.
Película muy dura y contundente, para trabajar a partir de bachiller y con mucho cuidado.
Los valores se pueden encontrar en la relación de los protagonistas, pero el ambiente en el que se mueven es un ambiente muy enrarecido, cargado de contravalores.

De todas maneras yo la recomiendo a personas que les guste el buen cine, visceral y contundente.

Deliciosa Martha

2009-06-17T11:27:00.002+02:00

Director: Sandra Nettelbeck
Actores: Martina Gedeck, Maxine Foerste, Sergio Castellito, Ulrich Thornsen, Sibylle Canonica, Katia Studt
Año: 2002
Nacionalidad: Alemana
Género: Comedia dramática
Trama: Martha es cocinera. No sólo porque trabaje en una cocina y sea jefa de la cocina de un excelente restaurante de Hamburgo, sino porque, poco acostumbrada a expresarse con las palabras, utiliza las materias primas, los sabores, y los equilibrios de los alimentos para contar al mundo lo que ella es.Un día Martha recibe una noticia que cambiará su vida: su hermana ha fallecido en accidente. Su sobrina Lina, a quien su padre abandonó cuando era muy pequeña, vivirá a partir de ese momento con ella. Martha, que no puede vivir sin un perfecto orden y escrupulosa planificación y limpieza, que no ha aprendido a expresar caricias ni con su cuerpo ni con su voz, inicia un recorrido por las materias primas de sus sentimientos, porque el perfecto hermetismo con el que conducía su vida, su equipo y sus platos sufrirá un terremoto al dejar entrar lo que es pura exteriorización: los niños (en la figura de su sobrina), y el amor (en la figura de Mario, que le provoca sensaciones de competencia –entra en su cocina y se adueña de sus espacios naturales- y pasión).Tendrá que elegir Martha entre dejar que la vida entre en su vida (viviendo con su sobrina, a pesar de la búsqueda del padre, y admitir que lo que siente por Mario es un torbellino que va a rodearla por todas partes), o quedarse en el lugar en el que nada ni nadie se mueven sin su expresa autorización.

Comentario: Preciosa historia, preciosa película, muy buena interpretación, muy buena escenificación de lo que es una cocina profesional, una cocina en la que la radio –como en la mayoría de cocinas- acompaña a la mise-en-place; una cocina en la que la comida de la “familia” (personal) entra como acto cotidiano; una cocina en la que –¡por fin!- no hay persecuciones mientras el policía se lía a porrazos con las columnas de platos, tirándolos por el suelo cuando el gangster está a punto de escapar por la puerta trasera (eso poniéndonos en el mejor de los casos y suponiendo que el policía no se detiene para probar alguna salsa y darle su punto de vista al cocinero)(¿¿¿???); una cocina en la que una queja de un cliente puede provocar auténticos volcanes de ira en el jefe de cocina; o una cocina en la que la cámara de alimentos sirve como refugio –y antídoto- para explosiones de sentimientos.Una objeción: el modo en que es tratado el psicoanalista. Excesiva caricaturización que, lejos de romper tensiones, crea desconcierto. No tanto porque su figura no hubiese podido ser muy interesante, mostrándonos lo que queda oculto durante la película, sino porque no consigue hacerlo creíble.
Más que como una caja de bombones, la vida se perfila como una receta de cocina. El cine ha demostrado en multitud de ocasiones que la gastronomía y la vida van unidas por hilos transparentes, puesto que ambas requieren tiempo, esfuerzo, ingredientes adecuados y mucho amor; en una receta que debe ejecutarse a fuego muy lento para un resultado satisfactorio.
"El festín de Babette", "Como agua para chocolate" y las más recientes "Chocolat" y "El hijo de la novia" ya esgrimían la misma teoría.

Con un registro intimista y dramático, la directora alemana Sandra Nettelbeck construye Deliciosa Martha; historia de una mujer dotada con extraordinarias cualidades para el arte culinario pero que es incapaz de tomar las riendas de su vida.
Para contar esta historia de carencias y mutilaciones sentimentales, la directora se sirve de una hiriente desnudez y sencillez en la planificación, del destacable y coherente arco de evolución de los personajes, y de unas confrontaciones entre los mismos.
Nettelbeck sigue la tradición cinematográfica que tan buenos resultados está otorgando al cine europeo, y añade elementos transgresores a la receta. El más destacable lo protagoniza la elección de una banda sonora en clara disonancia con la línea cuasi trágica del relativo; que, no obstante, empasta con maestría, y otorga al film de un ritmo y una extravagancia que lo hacen más destacable y origen.
Si a esta delicia se añade la magnifica interpretación del triangulo protagonista, y se perdonan algunos tópicos, Deliciosa Martha se materializa como una historia eminentemente humana, de sentimientos y vivencias perfectamente reales.

Con esta película se pueden trabajar valores como la madurez y el compromiso, como la amistad y la solidaridad y como la superación de las limitaciones.
Unos años más tarde se hizo una versión americana de esta película con artistas de relumbrón como Catherine Zeta-Jones y Aaron Eckard, pero es muy inferior.
Se podría trabajar a partir de 3º de ESO.

Cuando todo esté en orden

2009-06-17T10:58:00.003+02:00

Director: Cesar Martínez Herrada
Actores: Santiago Ramos, Daniel Guzmán, Miguel Rellán, Mario Zorrilla, Antonio Dechent, Celeste Rodríguez, Alicia Mohino, Cristina Plazas
Año: 2002
Nacionalidad: Española
Género: Drama social
Trama: A sus treinta años, Pablo, como tantos otros, ha estado varios años tapando su agujero vital con la droga. Tras una cura de desintoxicación, llega al pueblo, a la casa de Ignacio, su padre. Cree que allí podrá encontrar todo lo que dejó en el camino, pero realmente no ha hecho más que empezar. Por su parte, Ignacio ha tenido que borrar de su vida un hijo drogadicto y lo ha hecho refugiándose en un coro musical, del que ahora es marginado. Ese camino que a los dos les toca andar se presenta duro, casi infranqueable. Por eso, sólo cuando todo esté en orden, cuando aprendan a recorrerlo juntos, podrán llegar al final para vivir de nuevo.

Comentario: Películas recientes del estilo de Como un relámpago, Fugitivas, El Bola y sobre todo Solas han consolidado en España un atractivo modelo de melodrama neorrealista, con un alto contenido ético y social. Por ese fecundo camino se adentra también Cuando todo esté en orden, segundo largometraje del joven director César Martínez Herrada, que cambia radicalmente de registro tras "Manos de seda", su fallida opera prima.
Cuando todo esté en orden es la situación idílica y quizá imposible a la que aspiran los sufridos personajes de esta película. Por un lado está Pablo, ya en la treintena, cuya adicción a las drogas destrozó su matrimonio y sus juveniles sueños futbolísticos. Ahora, tras un año de rehabilitación, ha regresado a su pueblo sevillano con el firme propósito de recomenzar y dar buen ejemplo a su hija, una niña inteligente que se lleva bien con su actual padrastro. En ésas, regresa también al pueblo Ignacio, el padre de Pablo, un obrero prejubilado, hosco por fuera pero de gran corazón, que huyó lejos tras la muerte de su esposa y el derrumbe del hijo. La reconciliación entre ambos será costosa; pero contará con el aliento de la ex mujer y de un viejo amigo de Pablo, y con la ayuda de Gerardo, un cariñoso mecánico de motos con el que Ignacio cantaba en un coro popular.
"Cuando todo esté en orden" no alcanza la frescura, la hondura y la rotunda autenticidad de "Solas". De hecho, a veces endurece artificiosamente su tono amable con un lenguaje agresivo, o cae por el contrario en un sentimentalismo poco sutil. Sin embargo, comparte con la espléndida película de Benito Zambrano una atractiva mirada contemplativa y una esperanzada visión del cariño familiar, la amistad y el perdón. Esto provoca poderosas explosiones de emotividad en los entrañables personajes, todos maravillosamente interpretados. En este sentido, la película confirma la maestría de Santiago Ramos y ofrece las mejores interpretaciones hasta la fecha de Miguel Rellán —inconmensurable en su papel del patético mecánico Gerardo— y de Daniel Guzmán, cuya caracterización de Pablo mereció una mención especial del jurado en el Festival de Málaga 2002. En dicho festival también fue premiada la preciosa banda sonora de Pablo Cervantes, muy efectiva en su labor de apoyo de la detallista y sobria puesta en escena de Martínez Herrada. Por todo eso, y a pesar de sus posibles defectos e insuficiencias, "Cuando todo esté en orden" se convierte, probablemente, en una de las mejores películas del 2002.

Esta película trabaja valores como la amistad y la familia, pero sobre todo uno muy importante y muchas veces poco reconocido como es el esfuerzo y la superación.
El tema de las adicciones y de la tentación permanente en la que se encuentran las personas enganchadas también se ve en la película.
Historia triste pero a la vez cargada de esperanza, fria en la forma pero cálida en el fondo. Recomendable para ultimos cursos de secundaria y bachiller.

Recomendaciones para el verano

2008-08-08T11:06:00.002+02:00

En este periodo estival, y en todo el año, para qué nos vamos a engañar, estamos a falta de buen cine, ya sea de valores o de entretenimiento. Voy a valorar alguna de las películas que se han estrenado recientemente en DVD o Cine, con mi particular estilo.
Wall. E: Será, seguramente, un prodigio de animación ya que PIXAR suele bordar ese campo. De todas formas, los menores de 8 años es probable que se aburran porque tanta tecnología sin animalitos les puede agobiar.
El caballero oscuro: Se espera mucho de esta película, que viene precedida de grandes comentarios en general y de una primera parte sobresaliente en particular. Para el que guste del cine entretenido y de aventuras creo que no saldrá defraudado.
Escondidos en Brujas: Comedia negra que puede convertirse en el éxito sorpresa de este año por su frescura y entretenimiento. Con unos actores más que notables y una ciudad, Brujas, que se convierte en un personaje en sí mismo.
Kung Fu Panda: Película que gustará, sobre todo, a los más niños. La historia está contada mil veces antes por lo que no se dan excesivas sorpresas. La animación no es tan perfecta como la de la casa Disney pero se acerca bastante alternando 2D y 3D.
La noche es nuestra: Cine negro de primera. La relación de dos hermanos a ambos lados de la ley que variará por la intervención de la mafia rusa, hace de esta película un film más que reseñable, con grandes actuaciones de sus protagonistas.
En el valle de Elah: Para los que les gusten películas más serias, con fundamento. Se podría decir que es “otra película” de las últimas sobre la guerra de Irack, pero es algo más. Película de decepciones, de encuentros y de descubrimientos que sorprende agradablemente al espectador.
Al otro lado: Saldrá en DVD el 27 de agosto. Yo ya tengo publicada una ficha en este mismo blog, por lo cual la recomiendo.
Todos estamos invitados: Película inquietante y triste que nos relata cómo sobreviven los amenazados por el terrorismo. Película sincera que no se suele hacer en nuestro cine.

Fugitivas

2008-08-08T10:23:00.003+02:00

Dirección: Miguel Hermoso.

País: España.
Año: 2000.
Duración: 98 min.
Intérpretes: Laia Marull (Tony), Beatriz Coronel (Laura), Juan Diego (Raimundo), María Galiana (Ascensión), Miguel Hermoso Arnao (Maxi), Roberto Cairo (Moco), Jesús Olmedo (Juanjo).
Guión: Óscar Plasencia, Raúl Brambilla y Miguel Hermoso.
Fotografía: Tote Trenas.
Dirección artística: Wolfgang Burmann.
Dirección de producción: Eduardo Santana.
Montaje: Blanca Guillem.
Música: Antonio Meliveo.
Vestuario: Sonia Grande

Tras un atraco que sale mal, Tony es engañada y abandonada por su novio junto a la sobrina de éste, Laura, de 7 años. Ambas iniciarán un viaje en busca del padre de la niña a la vez que huyen del resto de la banda a quienes también engañó el novio de Tony.

Película dura, sin concesiones, que nos propone un viaje a la huida de la soledad. Una película de mujeres porque ellas son las protagonistas, y porque los personajes masculinos están tratados con dureza por el director. Ninguno de los que aparecen en la película es positivo. Desde el novio de Toni, aprovechado y manipulador, pasando por Maxi, bestial y agresivo, y su compañero Moco, enganchado y torpe, hasta llegar a Raimundo, fracasado, machista y desesperado. Hasta los policías que aparecen al final son irrespetuosos y agresivos.
Por el contrario las mujeres son personajes bastantes positivos, sólo se podría considerar negativo el personaje de la madre de Laura, que manda a su hija con su padre por considerarla una carga en su vida. Laura tiene los valores de la inocencia, de su capacidad de descubrir, de la búsqueda de la humanidad que falta en su vida. Tony, personaje que al comienzo de la película se nos presenta como duro y sin aristas, a medida que pasa la película la descubrimos como una persona herida por la vida que sólo trata de encontrar a alguien que la quiera desde que la abandonó su padre. Se convierte en una suerte de madre para Laura y le descubre cosas como el mar “que es lo más grande después de un filete con patatas”.Y como tercer vértice del triángulo tenemos a Ascensión, sola desde hace mucho tiempo que se ha montado su propia película en la cabeza. Toma bajo su ala a estas dos personas que llegan a su casa, fantástico el plano final en el patio de esa casa andaluza.
También se puede ver al ser humano en tres etapas de su vida: la curiosidad de la infancia, el desengaño de la juventud y la resignación de la ancianidad.
Película en la que podemos trabajar contravalores como la soledad, la agresividad, la violencia o el egoísmo. Por el contrario podemos descubrir valores como la solidaridad, la amistad o el compromiso.
Película con claro acento andaluz, de la productora que ha movido películas tan trabajables como “Poniente” (recomendada también en esta web) o “Solas”.
Recomendada a partir de 4º de la ESO y Bachiller

Un puente hacia Terabithia

2008-08-07T10:09:00.002+02:00

Dirección: Gabor Csupo.

País: USA.

Año: 2007.

Duración: 94 min.

Género: Aventuras, fantasía.

Interpretación: Josh Hutcherson (Jess Aarons), AnnaSophia Robb (Leslie Burke), Zooey Deschanel (Srta. Edmunds), Robert Patrick (Jack Aarons), Bailee Madison (May Belle Aarons), Kate Butler (Nancy Aarons), Latham Gaines (Bill Burke), Judy McIntoch (Judy Burke), Lauren Clinton (Janice Avery), Devon Wood (Brenda Aarons).

Guión: David Paterson y Jeff Stockwell; basado en el libro de Katherine Paterson.

Producción: Hal Lieberman, Lauren Levine y David Paterson.

Música: Aaron Zigman.

Fotografía: Michael Chapman.

Montaje: John Gilbert.

Diseño de producción: Robert Gillies.

Vestuario: Barbara Darragh.

Jess (Josh Hutcherson) y Leslie (AnnaSophia Robb) son dos niños de doce años con una imaginación desbordante. Desde el primer día que se conocen en la escuela, su deseo de escapar de una realidad mediocre que no les satisface les llevará a crear en mitad del bosque un mundo imaginario y maravilloso: Terabithia. Este mundo fantástico, del que ellos son amos y señores, acabará siendo un reflejo de su realidad cotidiana y les ayudará a enfrentarse a ciertos miedos e inseguridades y a establecer entre ellos un vínculo tan fuerte que no podrá ser roto por nada ni nadie

La película sorprende en su planteamiento y en su desarrollo. La verdad es que después de ver el trailer que presentaba la película, te podías esperar un film de fantasía o un film de misterio, pero desde luego, lo que no podías esperar es una madura película sobre el espíritu humano y su entrada en la madurez.
La película es triste, con momentos más agradables pero sin dejar que nos relajemos, ya que la realidad que se nos presenta es eso, realidad alejada de cualquier mundo de fantasía; el protagonista, de familia de clase media baja, solitario, único chico con tres hermanas, que desde el principio vemos cómo en su casa es ignorado por su madre y hermanas mayores, y en el colegio la cosa no mejora ya que está siendo avasallado por sus compañeros más fuertes. El personaje de la niña que llega al colegio, también con una familia un tanto extraña, pero sin la problemática familiar que tiene él, será su alma gemela en este mundo cruel y triste al que plantarán cara con imaginación y coraje.
Película, que a diferencia de la mayoría de películas fantásticas que se estrenan ahora en la cual al espectador se le considera un consumidor de palomitas sin más, trata de enseñar un mensaje de realidad y de madurez, de esperanza y de lucha.
Es una buena adaptación al libro, donde los personajes infantiles están bastante mejor trazados. La relación de amistad, casi enamoramiento de los dos, está muy bien cimentada y, aunque se nota que al film se le han añadido algunas secuencias, sobre todo todas las fantásticas, no pierde su esencia.

Se pueden trabajar los siguientes valores:
El crecimiento y maduración desde posiciones complicadas de soledad y de pobreza. Nuestros protagonistas se van acercando a la madurez a través de la imaginación y la creatividad.
La familia como punto importante en el crecimiento de la persona. En estas dos personas la falta de relación con sus adultos les hace tener un déficit de cariño que deben cubrir con sus lugares inventados, aquí Terabithia.
Cómo afrontar el tema de la muerte. En la película ocurre una circunstancia que favorece la maduración de golpe de alguno de sus protagonistas. La muerte no es uno de los temas más trabajado en el cine para jóvenes. No se atreve a tratar este tema con realidad y crudeza, aquí lo hace con gran sensibilidad y credibilidad, aunque a veces excesivamente edulcorado.
La religión, aunque de pasada, se trata por las diferentes creencias de nuestros protagonistas y se resumiría en el diálogo de los dos al salir de la iglesia: “Tú tienes que creer en eso y lo odias. Yo en cambio no creo y me parece hermosísimo”. En el libro hay un comentario sobre el cielo y el infierno que abre paso a una duda existencial en la niña más pequeña.

Luego podemos trabajar también temas importantes como las diferencias de clases sociales, la violencia que ejercen los mayores del colegio que se aprovechan de su fuerza, las relaciones con los adultos a lo largo del crecimiento de la persona, aquí ejemplificado en los personajes de las dos profesoras, la de música y la tutora, que al final demuestra una gran sensibilidad.

Mediterraneo

2008-06-11T10:54:00.003+02:00

Título original: Mediterraneo
Año: 1991
Duración: 105 minutos
País: Italia
Dirección: Gabriele Salvatores

Guión: Enzo Monteleone

Fotografía: Italo Petriccione

Escenografía: Thalia Istikopoulou

Montaje: Nino Baragli

Música: Giancarlo Bigazzi, Marco Falagiani

Vestuario: Francesco Pan
Reparto: (Teniente Montini) Claudio Bigagli, (Sargento Lo Russo) Diego Abadantuono, (Farina), Giuseppe Cederna, (Colasanti) Ugo Conti, (Strazzabosco) Gigio Alberti, (Vassilissa) Vanna Barba, (Noventa) Claudio Bisio

En la primavera de 1941 durante la segunda guerra mundial en el mar Egeo, la isla griega de Syrna, controlada por los italianos desde 1920, ha sido invadida por los alemanes y abandonada hace poco. Ocho militares italianos reciben la orden de ir hasta allí para asegurarse de la efectiva retirada de los alemanes y quedarse para presidiar la zona. Llegan con un barco de guerra ligero, desembarcan con circunspección, pero la isla parece estar desierta. El grupo de soldados está formado por una serie de personajes inadecuados para la guerra: está al mando el teniente Montini, profesor de griego y latín, fascinado por las huellas de Homero en la Grecia moderna; el ordenanza de Montini, Farina, es un hombre tímido y torpe; el arriero Strazzabosco tiene una relación visceral con su mula, no se separa de ella ni un momento y la defendería con su propia vida; el radiotelegrafista Colasanti es un inútil, sigue paso a paso al sargento Lo Russo, enardecido ante la idea de participar activamente en la lucha con sus bravuconadas; Noventa es un soldado que sólo intenta huir para volver a su casa; finalmente los hermanos Munaron, Libero y Felice, están atenazados por la nostalgia de sus montes de los que se han alejado por primera vez. Tras varios días de aislamiento y soledad, el grupo se siente fuera del mundo. Además, el barco se hunde y Colasanti inutiliza la radio. Sin embargo, de repente la población local sale de sus escondites. El teniente Montini se dedica a la restauración de la pequeña iglesia del lugar y los hermanos Munaron, encargados de vigilar el mar desde un alto, encuentran a una joven con su rebaño y acaban por enamorarse ambos de ella. En cambio, la tropa que se ha quedado en el valle conoce a Vassilissa, una prostituta. Un turco de paso les engaña y les roba también las armas y los soldados abandonan sus uniformes y se visten de paisano como los lugareños. Un día un avión de reconocimiento averiado aterriza en Syrna. El piloto se sorprende de que en la isla los italianos no sepan nada: la guerra ha terminado, todo ha cambiado y hay que volver. Comunicada la presencia del grupo al mando, llega a la isla un barco para su repatriación. Nadie parece estar contento, excepto quizás Lo Russo y Noventa. Farina incluso decide desertar: se ha enamorado de Vassilissa y no quiere volver a su país. Muchos años después, Montini vuelve a la isla, donde ha llegado el turismo y todo ha cambiado. Vuelve a ver a Farina, envejecido y viudo, en compañía de Lo Russo que, decepcionado con Italia, se ha retirado en Syrna.

Simpática fábula sobre el sinsentido de la guerra y la necesidad de cuestionarse las cosas, de no fiarse de lo que nos dan como verdades absolutas. Película a medio caballo entre la comedia y el drama, pero siempre con un sano sentido del humor. Los soldados están todos fundados en estereotipos: El mando tolerante del teniente Montini, demasiado dialogante, el mando que ordena, Lo Russo, bastante animalizado, Farina, sensible y abierto, Colasanti, sin ningún tipo de personalidad, Strazzabosco, hombre del campo cuya fijación con el burro es lo que le ata a su pasado, Noventa, el insumiso que siempre trata de huir y los hermanos Munaron, acostumbrados a la montaña que no tienen nada que ver con todo lo que huela a mar.
A pesar de estar estereotipados todos los personajes están genialmente retratados, y enamoran desde el principio al espectador.
La música, que es con raices autóctonas, es muy apropiada para enmarcar la acción.
Creo que es, junto con la perfecta "Senderos de gloria" de Stanley Kubrick, es una de las mejores películas antimilitaristas que se han rodado nunca. El director estuvo sembrado a la hora de realizar el film. En clave de comedia nos cuenta cosas tan serias como la inutilidad de TODAS las guerras, cómo éstas nunca cambian nada, a no ser a peor. Los soldados que son enviados a una isla de Creta y que son olvidados por sus propios compañeros durante el transcurso de la guerra pueden ser cualquiera de nosotros. Cuando cada personaje deja aflorar su verdadera personalidad y sus sentimientos todos se enriquecen en una historia de amistad, de integración, de colaboración y de amor.
El final de la película es lo mejor de todo. El encuentro de los tres protagonistas y la constatación de que el mundo cambió para todos menos para ellos. "Queríamos cambiar las cosas, queríamos hacer un mundo mejor, pero no nos dejaron" esa es la pobre conclusión del capitán a la vuelta a la isla para finalizar sus días allí, pelando patatas.
Película recomendable para todos aquellos que nos cuestionamos algo en la vida.

¿Y tú quién eres?

2008-05-27T13:59:00.002+02:00

Dirección y guión: Antonio Mercero.

País: España.

Año: 2007.

Duración: 90 min.

Género: Drama.

Interpretación: Manuel Alexandre (Ricardo), José Luis López Vázquez (Andrés), Cristina Brondo (Ana), Álvaro de Luna (Luis), Monti Castiñeira (doctor), Amparo Moreno (enfermera), Ángeles Macua (madre), Alejandro Zafra (hijo), Luis Ángel Priego (hijo).

Producción: Miguel Menéndez de Zubillaga.

Fotografía: Gonzalo Berridi.

Montaje: José María Biurrum.

Dirección artística: Guillermo Llaguno.

Vestuario: Silvia García Bravo

La familia Rivero se va de vacaciones veraniegas. Luis (Álvaro de Luna) se traslada con su mujer y sus dos hijos a San Sebastián, quedándose en Madrid su única hija, Ana (Cristina Brondo), y su padre, Ricardo (Manuel Alexandre). Ana está opositando y decide permanecer en la capital para avanzar en sus estudios y estar cerca de su abuelo, que es acomodado en una residencia durante el periodo estival. En la residencia, Ricardo conocerá a Andrés (José Luis López Vázquez), su compañero de habitación y nuevo amigo. Juntos recordarán vivencias de la juventud, llegándose a producir episodios tiernos y divertidos. Durante el transcurso del verano el mal de Alzheimer acecha a Ricardo.

Película en ocasiones excesivamente sentimental, trata de mostrar el problema del alzheimer en las personas mayores. A partir de las relaciones familiares enmarcadas en un verano, nos tratan de contar cómo están ahora los ancianos en los centros de acogida o asilos. Antonio Mercero cojea en exceso de su origen televisivo. Sigue en la línea de películas conmovedoras, pero donde en “4ª planta” era emoción, en ésta se queda en sensiblería. Las interpretaciones, excepto las de Manuel Alexandre y José Luis López Vázquez, son torpes y en ocasiones rozando el ridículo. La película muchas veces está cerca del discurso moralista del desamparo de nuestros ancianos. Añado aquí parte de la crítica que un especialista de cine hizo en la página web de “La butaca”.
La puesta en escena carece de dramatismo y nunca se alcanza el clímax deseado, la planificación y montaje televisivos restan poder a una imagen que narra pero no suscita emoción, y la dirección de actores conduce a algunos de ellos a situaciones exageradamente patéticas y a unas reacciones poco matizadas. Manuel Alexandre y José Luis López Vázquez realizan unas interpretaciones imponentes, y cuando se les deja solos en escena, ésta cobra vida, autenticidad y humanidad. Sin embargo, no es suficiente para componer un retrato simplista, con una familia excesivamente mezquina que obliga a Álvaro de Luna y Ángeles Macua a forzadas e increíbles respuestas desde el lejano San Sebastián. Escenas vacacionales y secundarios prescindibles que sólo sirven de contraste facilón y maniqueo con el que criticar la ingratitud de los hijos y esa pérdida del afecto necesario que sufre el enfermo, más dolorosa incluso que la de la memoria. Secundarios que son muy secundarios, que diluyen el vitalismo y la cercanía que despliegan los protagonistas, hombres solitarios en su senilidad de ficción y también en su trabajo por construir una historia equilibrada. La joven Cristina Brondo se esfuerza y tiene momentos sinceros de humanidad, junto a otros en que fuerza y precipita sus derroteros emocionales y profesionales de manera poco convincente, entre gestos afectados y carreras dramáticas en busca del abuelo perdido.
Así pues, crítica clarividente de nuestra sociedad pero mostrada con trazos simples y poco sutiles, como ese empeño por pasear a Ana en un lujoso descapotable para decir al espectador que la enfermedad toca también a los ricos, o esa sensiblería ramplona con que se traza una historia romántica que avanza a trompicones inverosímiles. Retrato de personajes defectuoso para una realidad que merecía un acercamiento más hondo y de mayor fuerza visual. Al final, parece que hemos asistido a una serie televisiva de sobremesa con algún apunte interesante, tópicos y concesiones a una audiencia poco exigente, y una voluntad de olvidarse –aquí no hay Alzheimer que valga para el director– de que una película es algo más que dos grandes actores y una historia interesante

Yo la pongo en este blog porque nos puede valer para trabajar algunos temas y valores humanos:
La familia, piedra angular en la que se mueve la acción, sobre todo el personaje de la nieta que es capaz de abandonar todo por cuidar a su abuelo, que durante la película se ve como va enfermando poco a poco.
La amistad casi infantil que tiene el protagonista con su compañero de cuarto y con los demás ancianos de la residencia, como se ve en la fiesta.
La solidaridad de la nieta que es capaz de dejar lo que está haciendo, preparando las oposiciones desde hace tres años, cuando ve que hay gente que necesita de su ayuda.
El desamparo de la gente mayor en nuestra sociedad actual.
El papel de las residencias de ancianos como lugares de acogida para abandonados.

No creo que sea una buena película pero puede servirnos para trabajar algunos temas.

La torre de Suso

2008-05-20T10:04:00.002+02:00

Dirección y guión: Tom Fernández.

País: España.

Año: 2007.

Duración: 100 min.

Género: Comedia.

Interpretación: Javier Cámara (Cundo), Gonzalo de Castro (Fernando), César Vea (Mote), José Luis Alcobendas (Pablo), Malena Alterio (Marta), Mariana Cordero (Mercedes), Fanny Gautier (Rosa), Emilio Gutiérrez Caba (Tino).

Producción: Jaume Roures.

Música: José Manuel y Javier Tejedor.

Fotografía: Carlos Suárez.

Montaje: Ángel Hernández-Zoido.

Dirección artística: Soledad Seseña.

Vestuario: María Reyes.

Cundo vuelve a Asturias después de diez años de ausencia en Argentina. Y habrían sido más si a uno de sus mejores amigos, Suso, no le hubiese dado por morirse. Cundo y el resto de la antigua pandilla se reúnen para darle el último adiós a Suso. Una sentida última borrachera por los viejos tiempos y después todos podrán volver a sus vidas, que no son gran cosa, pero son las que ellos se han buscado. Lo que no saben es que Suso tenía planes para ellos. El tipo de planes que ningún amigo querría oír, pero a los que tampoco ningún amigo podría negarse.

Película pequeña, sin grandes objetivos; da la impresión de que la finalidad del director no era otra que entretener y divertir. Esos objetivos los consigue, pero además logra realizar un canto a la amistad, a la familia, a lo que no se dice y se entiende, a los objetivos no cumplidos y al paso del tiempo que nos va cambiando a todos.

Se podrían trabajar los siguientes temas:
La cobardía, que nos hace huir sin pensar lo que dejamos atrás, sin darnos cuenta que tarde o temprano lo que dejamos atrás vuelve a buscarnos.
La madurez que vamos logrando mientras crecemos, con ayuda de los que nos rodean.
La amistad como pilar esencial para lograr avanzar en la vida, los amigos como pieza fundamental para no acabar de perderse y, que a pesar de la distancia, siempre están allí.
La familia, aunque parezca secundaria, aparece en la película como parte importante en la vida del mejor amigo de Cundo, Fernando, en sus padres cuando se cuestionan qué les está pasando y en el propio Cundo con Marta.

Hay otros temas como el de los inmigrantes que llegaron a la cuenca minera de Asturias a trabajar y cómo se da la integración con la población autóctona.
De todas formas hay que quedarse con la idea general de la película de construir una torre para ver la realidad desde arriba, no sólo el paisaje, que puede ser precioso, sino la vida con otra perspectiva, el hacer algo con alguien, aunque luego no fructifique en nada útil, es importante por el esfuerzo puesto en la acción.

Hombres armados

2008-05-14T13:41:00.002+02:00

Título original: Men with guns
Año: 1997
Duración: 128
País: Estados Unidos
Director y guionista: John Sayles
Música: Mason Daring
Fotografía: Slawomir Idziak
Reparto: Federico Luppi, Damián Alcázar, Tania Cruz, Damián Delgado, Dan Rivera González, Mandy Patinkin, Kathryn Grody

A Humberto Fuertes, un acaudalado médico próximo a la jubilación, nunca le han interesado las realidades de la vida política de su país.Un día Fuentes ve a Bravo, su mejor estudiante, y le sigue hasta un peligroso barrio periférico donde Bravo dirige una farmacia para pobres.Fuentes le pregunta porqué no está en el campo trabajando con los pobres y Bravo le responde: "Busque a Cienfuegos; él sabe porqué". Cuando llega al pueblo donde vive Cienfuegos, averigua que éste fue asesinado por unos hombres armados.A partir de este momento, Fuentes inicia un viaje en busca de Cerca del Cielo, un lugar utópico o real, donde los hombres armados y las duras realidades de la política no alcanzan. El sitio al que todos sueñan llegar. ¿Existe un lugar así?

Película imprescindible para analizar la situación general de Latinoamérica. Desde la perspectiva de un médico idealista que piensa que realizó una labor maravillosa al formar un grupo de médicos para que trabajaran en zonas deprimidas del país, y del despertar brutal a la realidad de lo que quería y lo que realmente logró.
No nos dicen en ningún momento en qué país está ambientada la acción, pero puede darse en cualquier país latinoamericano.
Impresionantes los personajes que salen durante la acción, con mención especial al niño y al “fantasma”, con sus historias. Además de la evolución del soldado desertor.
Narrada en clave de relato fantástico con el prólogo hablado en “quechua” de la madre con la niña que al final cerrará el círculo.
Los valores y los temas que se pueden trabajar con esta película son:
La violencia presente en muchos lugares de Latinoamérica.
La solidaridad entre los más desfavorecidos. Los desheredados de la fortuna comparten lo poco que tienen.
La responsabilidad que tiene que asumir cada uno de los actos que ha hecho.
La evolución que tienen los distintos personajes durante la película; sobre todo la del doctor. Pero sin olvidar la del “fantasma”, con el acto final de entrega.
La visión de los personajes de países “desarrollados” en la película.
La concienciación de los distintos personajes de la película, que no nos puede dejar indiferentes a los espectadores.

Película necesaria, dirigida por el que yo creo es el director más independiente del momento, John Sayles, con películas también recomendables como “Lon Star”, “El secreto de la isla de las focas”, “Casa de los babys”, “Silver City”, “Limbo” o “La tierra prometida”. Películas en las cuales imprime su personal sello.
Recomendable para todos los que amen el cine comprometido, realista y veraz.
Pongo el siguiente link que me parece interesante de cara a trabajar la película. También recomiendo la parte que dedica a esta película el libro “La memoria filmada: América Latina a través de su cine” Varios autores. Editorial Iepala. 2002

http://www.edualter.org/material/cinemad2/hombres.htm

Anexo a continuación la crítica que un usuario de filmaffinity hizo sobre la película

En medio de inhumanidades hay quien vive en una burbuja de omisión, hasta que se rompe

El film no es una obra magistral pero sí interesante y digna; gustará sin lugar a dudas a cualquiera, como es mi caso, que haya vivido en Centroamérica, en las montañas con la gente campesina e indígena o tenga relaciones sentimentales con personas o la topografía de esta parte del mundo.La película está rodada en los Estados Unidos de México, y la historia puede circunscribirse a dicho país o también a Guatemala. El argumento es el de un médico, Humberto Fuentes, hombre ingenuo y acomodado de la capital, que no es consciente de lo que está ocurriendo en su país con la población indígena, a la cual no se le reconoce sus derechos humanos y que encima sufre a los hombres con armas del ejército y de la guerrilla, además de la dejación y falta de antenciones verdaderas por parte del Estado. El Dr. Fuentes es de los profesionales que oyen de las injusticias y crímenes que se están cometiendo a su alrededor pero como no acostumbra a pensar mal de nadie y además pertenece a la clase social acomodada, neutral y con rica y poderosa clientela, no da crédito a tales rumores o voces. Para él no vale el dicho "Cuando el río suena es que agua lleva". La labor social de la que más orgulloso está es haber sido profesor-formador en un programa sanitario gubernamental, de jóvenes médicos que luego fueron enviados a los campos y montes a servir entre la población indígena. Han pasado ya tres años y en unas vacaciones decide ir a visitar a sus antiguos alumnos en esas alejadas y recónditas zonas campesinas. Su sorpresa será no dar con ellos pero sí con toda clase de inhumanidades y vejaciones cometidas por los hombres armados del Estado sobre la gente nativa, pobre e indefensa.Hay que estar muy atento a los diez primeros minutos del film donde suceden dos conversaciones determinantes para la comprensión de todo el argumento: en una el Dr. Fuentes habla con un general tras examinarle ano-prostáticamente, y en la otra dialoga con su hija y el compañero de ésta mientras comen en un restaurante. En ambas escenas se dicen cosas muy a tener en cuenta y que perfilan el quid de los sucesos posteriores que el médico va ir descubriendo in situ.Estupenda actuación del niño huérfano e indígena "Conejo" (Dan Rivera González) y muy entrañable y lindo el rostro de la muchacha muda con rebeca celeste (Tania Cruz).

Fej Delvahe

Tocando el viento

2008-05-13T10:15:00.003+02:00

Título original: Brassed Off

Dirección y guión: Mark Herman

Países: Gran Bretaña

Año: 1997

Duración: 107 minutos

Género: Drama social

Interpretación: Ewan McGregor (Andy Barrows), Tara Fitzgerald (Gloria), Pete Postlethwaite (Danny), Jim Carter (Harry), Stephen Tompkinson (Phil), Meter Martin (Ernie), Shue Johnston (Vera)

Música: Trevor Howard

Fotografía: Andy Collins

La política de cierres de pozos mineros del gobierno Thacher recorre el norte de Inglaterra. En uno de los pueblos afectados, Grimley, la banda de música de los mineros es un bastión de la identidad local. Para Danny, el director, la música representa el espíritu de la comunidad. Sin embargo, a medida que el problema del desempleo aumenta, a Danny le cuesta mantener ese entusiasmo entre sus músicos. Con la llegada de un nuevo músico parece que las cosas pueden cambiar pero habrá que ver si para mejor.

Decir que el cine es un reflejo de la realidad queda, en películas como esta, más claro que nunca. Película de sentimientos, que no sentimental, que nos narra la aventura de un grupo de mineros a punto de quedarse en paro, que lucha denodadamente por no perder su dignidad. A través de los diferentes personajes vemos la evolución del problema social que genera la política del gobierno. La música sirve como marco incomparable a la acción de la película.
Con esta película podemos tratar temas tan importantes como la importancia del trabajo. Como valores a trabajar podemos ver:
La solidaridad de los protagonistas. A pesar de la pobreza y de no estar ninguno en buena situación económica se ayudan, como la cajera del supermercado.
La lucha por la dignidad. Como bien dice el protagonista al final, si estuvieran hablando de focas todos estarían pendientes, pero hablar de personas humanas es más complicado y no lo hacemos.
La cooperación. Durante toda la película se ven las actitudes de los mineros. Hasta la partida donde Andy recupera su instrumento parece estar amañada para poder ganar.
El amor. En tiempos de dificultad es el valor más importante por todas las connotaciones que tiene. Cuando la mujer del músico le dice “por lo menos así nos veremos más”.
La familia. Aunque las cosas marchen mal lo peor es cuando la familia se desmorona, como le ocurre al hijo de Danny.
El sentido de la vida. Lo que dice al final Danny es un resumen de todo el sentido de la película. “Cuando alguien pierde hasta las ganas de vivir, la música o cualquier otra cosa, es una mierda”

Película recomendable, y hasta imprescindible, para los amantes del cine social y con corazón, para las personas que gustan de cuestionarse la realidad, y para los que no quieren dejar la conciencia dormida.

Recomiendo el siguiente link que me parece interesante: http://www.auladecine.com/recursos/Tocando_el_viento.pdf

Before the rain

2008-05-12T18:04:00.003+02:00

Título original: Before the rain (Pred Dozdot)
Dirección y guión: Milcho Manchevski
Países: Macedonia, Gran Bretaña, Francia
Año: 1994
Duración: 110 minutos
Género: Drama
Interpretación: Katrin Cartlidge, Rade Serbedzija, Gregoire Colin, Labina Mitevska, Jay Villiers, Phyllida Law
Música: Anastasia
Fotografía: Manuel Teran

Un joven sacerdote trabaja en silencio en el huerto de un pequeño monasterio. Las nubes ensombrecen el cielo. El viento sopla en la montaña... "los truenos siempre me aterran..." le dice un viejo cura y comienzan las palabras... antes de la lluvia.
PALABRAS
El padre Kiril, ese joven sacerdote, dará refugio a Dzamira, la muchacha que huye. Por ella callará, por solidaridad, por odio y por amor, mucho más que por sus votos de silencio. Con ella partirá en la noche, huyendo. Al alba la abrazará y le dirá..."Iremos a Skopje, allí nos protegerán y luego llamaré a mi tío en Londres, es un fotógrafo famoso, él nos ayudará... nikoi te encontrará, (Nikoi=nadie)."Y los encuentran. Se acaban las palabras, solo quedan sus rostros... antes de la lluvia.
ROSTROS
En Londres, una mujer desnuda su alma ante la mampara de un baño y llora como premonición de la violencia o, tal vez, como recuerdo. Ante ella pasan los rostros hechos fotografías: una Madonna empapada de café se mezcla con las caras de la guerra, con los niños mutilados de Bosnia, con los ojos esqueléticos de un prisionero en Mostar, con los cuerpos ensangrentados de Dubrobnik,. Y pasa el rostro cuidado de su madre inglesa hablando gentilmente en la calle y el de ese fotógrafo famoso, ganador del Pulitzer, que la amó en un taxi, que quería vivir con ella para siempre en Macedonia, que quería tener doce hijos, que tomó partido y volvió solo a su tierra. Y pasa, también, el rostro de su ex - esposo y padre del hijo que crece en sus entrañas..."Espera, espera, aún te amo, necesitamos tiempo..." se dicen en la tensa calma de un restaurante, un minuto, un segundo apenas o no sé que fracción de tiempo... antes de la lluvia.
FOTOGRAFÍAS
Alexander Kirkov, el fotógrafo famoso, vuelve a su Macedonia natal. Sus ojos fotografían, junto a su corazón, a la ciudad y sus rostros. Un micro desvencijado lo adentra en los caminos polvorientos de su tierra llevándolo hasta las puertas de la aldea de la que huyó hace ya dieciséis años. Encuentra la destrucción en su abandonada casa -paraíso e infierno - duerme en la soledad de su antigua cama, quizá pensando en Londres, en la mujer que se le murió en un taxi o, tal vez, soñando con Hana, su amiga musulmana de la infancia, su primer amor o el último.Visita a sus parientes y asiste a la intolerancia y a la degradación del otro, del diferente, en los dos bandos, en todos los bandos. "El no es de aquí..." escucha decir a casi todos y camina cabizbajo por las callecitas de piedra y tiempo, quizá pensando... nadie es de aquí, todos lo somos.
Nada parece suceder y sin embargo todo pasa. Una muerte lleva a la otra y en la colina, caído en el suelo, espalda al mundo, cara al cielo, sus ojos parecen decir...

Hace pocos meses volví a ver esta película que, incomprensiblemente, no ha salido en DVD aún. Creo que es de lo mejor que se ha realizado de cine denuncia sobre el tema del odio sin sentido. Con una estructura maestra donde se cuenta una historia de odios y de rencores que hacen que todas las cosas no tengan ningún sentido. Las tres historias son magníficas. "Palabras" para el tramo más silencioso, "Caras" para el tramo más cercano a nosotros, y "Fotos" para el tramo final de ese círculo que, como bien dice el autor, nunca se cierra.Me parece una película que engancha, que entristece, porque la realidad humana nos entristece. La música nos traslada a los lugares donde se desarrolla la acción.Crítica feroz de la sociedad que estamos creando por nuestro odio y nuestra intolerancia.
Los personajes de Alex y de la hija de Hana desde que aparecen en pantalla nos hipnotizan y nos auguran que, con la lluvia, llegarán a un trágico destino, como, por desgracia, ocurre.

Recomendable a todas las personas que gusten de un cine profundo y bien hecho.

El siguiente link está muy bien para poder trabajar la película: http://edualter.org/material/pau/antese.htm

Al otro lado

2008-05-12T13:53:00.002+02:00

Título original: Auf der anderen seite
Dirección y guión: Fatih Akin.
Países: Alemania y Turquía.
Año: 2007.
Duración: 122 min.
Género: Drama.
Interpretación: Nurgül Yeşilçay (Ayten Öztürk), Hanna Schygulla (Susanne Staub), Patrycia Ziolkowska (Lotte Staub), Baki Davrak (Nejat Aksu), Tuncel Kurtiz (Ali Aksu), Nursel Köse (Yeter).
Producción: Fatih Akin, Andreas Thiel y Klaus Maeck.
Música: Shantel.
Fotografía: Rainer Klausman.
Montaje: Andrew Bird.
Dirección artística: Tamo Kunz y Sirma Bradley.
Vestuario: Katrin Aschendof.

A través de una serie de encuentros, relaciones e incluso muertes, las frágiles vidas de seis personas conectan durante sus viajes emocionales hacia el perdón y la reconciliación en Alemania y Turquía. Nejat no mira con buenos ojos la relación que su padre Ali mantiene con la prostituta Yeter. Pero todo cambia cuando descubre que ella manda dinero a Turquía para pagar los estudios universitarios de su hija. La inesperada muerte de Yeter distancia al hijo y al padre. Nejat decide irse a Estambul a buscar a Ayten, la hija de Yeter. Pero Ayten, una activista política que huye de la policía turca, se ha ido a Alemania. Allí conoce a Lotte, que le ofrece su casa, algo que no gusta a su madre Susanne, una mujer bastante conservadora. La policía detiene a Ayten. Su petición de asilo político es denegada y la deportan a Turquía, donde es encarcelada. Lotte se traslada a Turquía en un intento desesperado para liberarla.

Desde hace unos años llega a nuestras pantallas cine alemán con mucha calidad. Nos cuentan historias simpáticas, duras, dramáticas, tristes y alegres. Ésta, de la que ahora hago este comentario, sería una película considerada drama realista sobre las relaciones humanas, con historias que se mezclan en su desarrollo. Con un final abierto, optimista y sin faltar a la realidad. Las vidas de Nejat y Ayten, marcadas por las vidas de sus padres Ali y Yeter, se entrecruzan a lo largo de la película sin encontrarse realmente, más que en momentos contados.
Como apuntaba un crítico de El País: El guión de esta incómoda película es tan complejo como atractivo. Todo alcanza sentido final en manos de un director que tiene muy claro lo que quiere contar y el lenguaje para hacerlo.
Yo pienso que continúa en esta película con las líneas maestras que apuntaba en la fría y tremenda “Contra la pared”, espléndida película que no daba tregua al espectador por la dureza de sus imágenes y su final sin esperanza.
En esta película podríamos trabajar los siguientes valores:
La familia: pieza que marca la evolución de los principales personajes de la película. La de Nejat con su padre Alí, que empieza y termina la película. La de Yeter y su hija, que se separaron hace tiempo y que, sin saberlo, no volverán a encontrarse. La relación entre Lotte y su madre, pese a ser la más normal será la que marque la conclusión de la película
La defensa de las ideas: Ayten defiende lo que piensa que es justo, aunque en ocasiones el peso que se ha de pagar es alto.
La identidad: la búsqueda de la propia identidad.
La tolerancia: aceptar a la gente tal como es.

A destacar la ambigüedad del título “Al otro lado” desde ¿el nuestro o el suyo? En otras palabras, un canto a la tolerancia y al respeto desde cualquier lado, porque al final todos deberíamos estar al lado de la humanidad, nuestro lado.

14 kilómetros

2007-12-11T09:09:00.000+01:00

Título: 14 kilómetros

Dirección y guión: Gerardo Olivares.

País: España.

Año: 2007.

Duración: 95 min.

Género: Drama, documental.

Interpretación: Adoum Moussa, Illiassou Mahamadou Alzouma, Aminata Kanta.

Producción: José María Morales.

Música: Santi Vega.

Fotografía: Alberto Moro.

Montaje: Raquel Torres

La película nos cuenta los avatares de tres africanos, dos de Niger y una de Mali, para conseguir llegar a Europa, vía España, en pos de una vida mejor.

Argumentalmente este es el fondo de la película, pero dentro tiene más, mucho más que la hacen tremendamente recomendable. Hacía mucho que no se realizaba una película con rigor y claridad sobre el fenómeno, cada día mayor, de las corrientes migratorias que cada vez más llegan a nuestras costas.
De principio el título es engañoso, ya que, aunque son 14 los kilómetros que separan nuestras costas de África, son miles de kilómetros más, y en condiciones infrahumanas, los que tienen que vencer estas personas en su peregrinar.
Cuando recibió el gran premio de la SEMINCI de Valladolid de este año 2007, todo el mundo se apresuró a decir que era la primera obra de un novel realizador con mucho futuro; falso porque Gerardo Olivares se ha forjado en el género documental añadiéndole un plus de acción, como ya demostró en su anterior película “La gran final”. De todas formas sí se ve en esta película un mayor control de la música, con el tema central del senegalés Ismael Lo, la fotografía, el ritmo y la historia que cuenta. Es una película más madura.
Apoyada en la actuación de sus tres personajes, no profesionales, por supuesto, la película nos hace acompañarles en su viaje y sufrir con sus penurias.
La motivación de los personajes es real como la vida misma, Violet ha sido “vendida” a un hombre que abusó de ella cuando aún era niña y tiene que escapar, y Buba es un buen jugador de fútbol que ha tenido la desgracia de nacer en el país más pobre del mundo donde nunca van a aparecer ojeadores de equipos europeos, por eso y, sobre todo, por acompañar a su hermano tratará de llegar a Europa.

Los valores que podemos trabajar con la película son los siguientes:
El esfuerzo y la superación: claves del viaje que emprenden. Superación de barreras idiomáticas y físicas y superación de quedarse sin dinero a la mitad del recorrido. Y sobre todo sobreponerse a su propio desánimo cuando las cosas no van bien.
Religiosidad: se observa sobre todo en el plano de los inmigrantes rezando a Alá cuando el autobús para en pleno desierto.
Solidaridad: la que tienen los tuareg que les recogen en el desierto del Teneré y que les cuestionan el que huyan de África y no se queden para intentar cambiar el país. Su papel es fundamental para poder continuar viaje, ya que su generosidad y gratuidad no tienen precio.
Además podemos ver los contravalores o lo que no nos gusta ver de este fenómeno de la inmigración. Las mafias de prostitución que se dan por el camino y, sobre todo, las mafias que controlan las pateras y que dejan a los pobres africanos que llegan al final sin nada en lo que apoyarse una vez que llegan a Europa.
Película recomendable por todo lo anteriormente dicho. No es redonda porque hay cosas como el último plano que no es real. Pero sí es una buena lección para reflexionar sobre un tema que tanto preocupa y del que tan poco se nos informa.
Destinado a un público inquieto que se cuestiona lo que ocurre en nuestra sociedad.

Breaking and entering

2007-12-03T18:02:00.000+01:00

Título original: Breaking and entering
Dirección y guión: Anthony Minghella.
Países: Reino Unido y USA.
Año: 2006.
Duración: 120 min.
Género: Drama.
Interpretación: Jude Law (Will Francis), Juliette Binoche (Amira), Robin Wright Penn (Liv), Rafi Gavron (Miro), Poppy Rogers (Bea), Martin Freeman (Sandy), Vera Farmiga (Oana), Ray Winstone (Bruno Fella).
Producción: Sydney Pollack, Anthony Minghella y Timothy Bricknell.
Música: Gabriel Yared y Underworld.
Fotografía: Benoît Delhomme.
Montaje: Lisa Gunning.
Diseño de producción: Alex McDowell.
Vestuario: Natalie Ward.

Dos jóvenes arquitectos van a abrir su estudio en uno de los barrios más marginales de Londres. En los primeros días son robados dos veces, por lo que esperan por si se produce otra vez y pillan al ladrón. Cuando el ladrón aparece, el dueño del estudio le sigue llega a la casa que comparte con su madre yugoslava que malvive trabajando de costurera. La relación entre el joven arquitecto y la inmigrante hace peligrar su inestable relación con la mujer con la que convive.

La nueva película del prestigioso realizador Anthony Minghella es una película curiosa de ver y complicada de analizar. Curiosa de ver porque trata de una historia de amor con mucho desamor, de encuentros entre los desencuentros y, en definitiva, dura como la vida misma. Complicada de analizar porque no se tiene nunca claro lo que pretende el autor. A medio camino entre la crítica social y la historia banal.
No es una película “rollo” como era “El paciente inglés”, ni tan “filosófica” como era “El talento de Mr Ripley”. Este director, que según la crítica, apunta muy alto, siempre se ha decantado por películas densas, tipo “Cold Mountain”, aunque sus primeras obras eran más “alimenticias”, podríamos decir.. Caso de “Un marido para mi mujer”.
Yo he escogido esta película porque me parece que puede servir para trabajar una serie de valores y contravalores humanos.

Los valores que se podrían trabajar serían:
El esfuerzo: tanto en el caso del protagonista como el de la mujer yugoslava viven esforzándose, uno para lograr su sueño y la otra para poder salir adelante ella y su hijo.
El trabajo: como medio que utilizan las dos personas para conseguir su objetivo.
La familia: a pesar de que la película nos muestra dos familias desestructuradas, valores inherentes a la familia las mueve. Cuidado de los hijos, tolerancia hacia el otro, esperanza en el futuro.
Como contravalores que podemos descubrir en la película encontramos:
La delincuencia: que aquí viene dada por los inmigrantes de los países del este, algunos lo hacen por que no les queda más remedio, pero da la impresión de que en la película la mayor parte de los de la banda de ladrones lo hacen por que quieren.
El engaño: la infidelidad que se da en el caso de la pareja protagonista. Viven en un continuo engaño, aunque al final triunfa el amor.
Sobre todo se podría trabajar el tema de las relaciones entre las personas de diferentes culturas.

Te doy mis ojos

2007-11-08T11:44:00.000+01:00

Dirección: Icíar Bollaín.

País: España.

Año: 2003.

Duración: 106 min.

Interpretación: Laia Marull (Pilar), Luis Tosar (Antonio), Candela Peña (Ana), Rosa María Sardà (Aurora), Kity Manver (Rosa), Sergi Calleja (Terapeuta), Dave Mooney (John), Nicolás Fernández Luna (Juan), Elisabet Gelabert (Lola), Chus Gutiérrez (Raquel), Elena Irureta (Carmen).

Guión: Icíar Bollaín y Alicia Luna.

Producción ejecutiva: Santiago García de Leániz.

Música: Alberto Iglesias.

Fotografía: Carles Gusi.

Montaje: Ángel Hernández Zoido.

Dirección artística: Víctor Molero.

Vestuario: Estíbaliz Markiegi.

La vida de Pilar y Antonio en Toledo no es precisamente feliz. Antonio, hombre agresivo y violento que no puede controlar sus ataques de ira convive con Pilar, mujer tímida, acomplejada y, sobre todo, enamorada de su marido a pesar del carácter de éste. Una noche coge a su hijo, Juan, y huye a casa de su hermana tratando de variar una situación que ya ve insostenible.

Esta película es, sin lugar a dudas, una de las mejores de los últimos años dentro del panorama de la cinematografía española y, yo diría más, de la mundial.
Estamos ante una película magníficamente fotografiada, con un uso estudiado de la música y con unas actuaciones sobresalientes, donde los actores no actúan sino viven las situaciones.
Es una película dura, fría en su estética, donde la ciudad de Toledo es un personaje en si mismo, marco para esa vida triste de los personajes principales. Personajes que sienten, que padecen y que sufren por la fuerza de los sentimientos.
Esta película estaría destinada a un público adulto, gente de bachiller, o por lo menos formados o con un mínimo de sensibilidad. Para proyectarla a otras edades habría que realizar un trabajo previo sobre qué es y en qué consiste la violencia de género.
Como temas a trabajar tenemos los siguientes:
La familia: Con todo lo bueno y lo malo que conlleva. En esta película las únicas relaciones medianamente positivas son la del hijo con el padre y la de las dos hermanas. Las demás relaciones familiares que observamos son desde la violencia incontrolada del hombre, pasando por el amor ciego de la mujer, hasta el vergonzante consejo de la madre que siempre estuvo aguantando los malos tratos.
La superación: Pilar no puede quedarse en lo que hace, sufrir a su marido y cuidar de su hijo. Busca algo más y encuentra la pintura, ésta le hace superar sus miedos y dudas. Al final de la película ella dice: “Tengo que verme, no sé quien soy, hace mucho tiempo que no me veo”.
La amistad: Las compañeras de Pilar la ayudan a integrase en el trabajo y la sugieren un futuro laboral diferente. Cuando toman conciencia del problema la ayudaran a tomar una decisión.

Como contravalores a trabajar tenemos:
La agresividad y violencia que marca la vida de Antonio, fruto de una gran falta de confianza en sí mismo. Es una persona que no está nada contenta de cómo es. No nos lo presenta como una mala persona, pero sí peligrosa. Aunque Antonio dice en un momento dado “la ira no es mala…hay que saber contralarla”, él está incapacitado para ello.
La soledad: A la que estamos abocados todos cuando no pedimos ayuda cuando surge algún problema. La frase que le dice Ana a su hermana Pilar resume bastante bien esto: “Tengo la sensación de que no he sabido ayudarte”

Kebab connection

2007-11-07T10:07:00.000+01:00

Dirección: Anno Saul.

País: Alemania.

Año: 2005.

Duración: 96 min.

Género: Comedia, acción.

Interpretación: Denis Moschitto (Ibo), Nora Tschirner (Titzi), Güven Kirac (Mehmet), Hasan Ali Mete (Tío Ahmet), Adnan Maral (Kirianis), Adam Bousdoukos (Valid), Cem Akin (Altan), Nursel Köse (Hatice), Tatiana Velimerov (Stella), Fahri Ogün Yardim (Lefty).

Guión: Fatih Akin, Ruth Toma, Jan Berger y Anno Saul; basado en un argumento de Ralph Schwingel.

Producción: Ralph Schwingel y Stefan Schubert.

Música: Marcel Barsotti.

Fotografía: Hannes Hubach.

Montaje: Tobias Haas.

Diseño de producción: Ulrika Andersson.

Vestuario: Katrin Aschendorf.

Ibo, un joven turco alemán, quiere rodar la primera película de artes marciales de Alemania. Para entrenarse realiza cortos publicitarios para la tienda de kebab de su tío. Su vida da un vuelco inesperado cuando se entera que su novia, también su actriz principal, se ha quedado embarazada y quiere tener el hijo.
Esta película, que pasó por nuestras carteleras sin pena ni gloria, es una muestra más del excelente momento que está atravesando en los últimos años la cinematografía alemana, sobre todo ese pequeño grupo de directores de origen turco con Fatih Akim a la cabeza con su estremecedora “Contra la pared”.
Aunque están más acostumbrados a mostrarnos la realidad en toda su crudeza, en esta película utilizan el humor para contarnos la importancia y la dificultad de ser padres.

Se podrían trabajar los siguientes valores:
La familia: Pieza angular en la vida de los protagonistas. La familia de Ibo compuesta por un padre dominante que al final resulta ser el más tolerante y comprensivo. Una madre sumisa que siempre quiere lo mejor para sus hijos, y una hermana que siempre trata de solucionar los problemas en los que se mete su hermano.
La responsabilidad: Al principio vemos a Ibo como un inconsciente que no está más que preocupado por su cine, pero durante la película va madurando poco a poco y va formando una personalidad de la que en principio carecía.
La superación: Titzi tiene bastante claro lo que quiere de la vida, sabe que quiere ser actriz y, a pesar del embarazo, acepta seguir adelante y superar todos los obstáculos para conseguir sus dos grandes metas: su sueño, ser actriz, y su futuro, su niño.
La amistad: La gente de la que se rodea Ibo son fieles con él, la amistad está por encima de todo y disfrutan con su amigo por la buena noticia del embarazo.

Luego podríamos trabajar otros contravalores como el interés, el egoísmo y la hipocresía que tiene los dos dueños de los restaurantes, el griego y el turco.
En fin, película entretenida, simpática, con una parte seria pero contada con sencillez y de manera ligera. Seguro que no es la mejor película de la historia pero entretiene, no molesta y divierte a quien la ve.

Caballos salvajes

2007-11-06T18:11:00.000+01:00

Título original: Caballos salvajes
Año: 1995
Duración: 120 min.
País: Argentina
Director: Marcelo Piñeyro
Guión: Aída Bortnik & Marcelo Piñeyro
Música: Andrés Calamaro
Fotografía: Alfredo Mayo
Reparto: Hector alterio, Leonardo Sbaraglia, Cecilia Dopazo, Federico Luppi, Ferrán Miras, Daniel Kuzniecka, Cipe Linovsky, Antonio Grimau, Alex Benn
PRODUCTORA: Mandala Films / Tornasol Films / Prime Films

Memorable película sobre el esfuerzo, la amistad. la solidaridad y la lucha. Como dice nuestro protagonista al comienzo de la película, “tenía que hacer algo para sentirse completamente vivo antes de estar definitivamente muerto”.
Con clara estructura de road movie o de western urbano, esta película nos cuenta una historia intergeneracional.
Un joven trabajador de una financiera es amenazado por una persona mayor que se pegará un tiro si no le entregan una cantidad de dinero que, según él, la financiera le ha robado. Para evitar esto el joven se ofrece de escudo humano para poder sacar a la persona del edificio, eso sí, con mucho dinero negro que estaba guardado en un cajón. A partir de aquí comienzan una huida hacia delante con el apoyo de la gente de la calle y con la persecución de agentes mafiosos que los quieren eliminar.
Entretenida película que cuenta con aventuras, acción, amor, amistad y reflexión sobre lo que esperamos de la vida y lo que ésta nos da.
Podemos trabajar los siguientes valores:

La solidaridad: Pedro se solidariza con José para que éste pueda huir sin que le ocurra nada. Esta solidaridad, que nace de la necesidad y, que poco a poco, irá creciendo en las personas que les rodean.
La lucha por la igualdad: Doctrina que siempre siguió José y que Pedro descubrirá en su compañía, dándose cuenta de que en ocasiones hay que romper con todo para conseguir más. Al comienzo dice que “tenía una vida, y era una buena vida”. Al final dice que la apuesta de la vida de José la ganó Pedro.
La amistad: Se va generando a lo largo de la película una fuerte amistad de los dos personajes masculinos, en principio, y con la chica después. Como dice en un momento dado José “le gustan las mujeres que no piden permiso”.

El tema más importante que podemos trabajar con esta película es el de la VIDA. Como dice durante la película: “La pucha que vale la pena estar vivo”

Los tres entierros de Melquiades Estrada

2007-10-10T11:49:00.000+02:00

Título original: The three burilas of Melquiades Estrada
Dirección: Tommy Lee Jones.

Países: USA y Francia.

Año: 2005.

Duración: 116 min.

Género: Drama.

Interpretación: Tommy Lee Jones (Pete Perkins), Barry Pepper (Mike Norton), Julio César Cedillo (Melquiades Estrada), Dwight Yoakam (Belmont), January Jones (Lou Ann Norton), Melissa Leo (Rachel), Levon Helm (Anciano ciego), Mel Rodríguez (Capitán Gómez), Cecilia Suárez (Rosa), Ignacio Guadalupe (Lucio), Vanessa Bauche (Mariana).

Guión: Guillermo Arriaga.

Producción: Michael Fitzgerald, Luc Besson, Pierre-Ange Le Pogam y Tommy Lee Jones.

Música: Marco Beltrami.

Fotografía: Chris Menges.

Montaje: Roberto Silvi.

Diseño de producción: Merideth Boswell.

Dirección artística: Jeff Knipp.

Vestuario: Kathleen Kiatta.

Melquiades Estrada es un mejicano, inmigrante ilegal, que vive en Estados Unidos. Por un desafortunado accidente, Mike Norton, un vigilante de frontera, cuando está de servicio le abate a tiros. Pete Perkins, amigo de Melquíades tratará de descubrir al autor del asesinato y cumplir la que puede ser su última voluntad, volver con su mujer e hijos a su casa.

Primera película del gran actor Tommy Lee Jones que ya tenía ganas de ponerse al otro lado de la cámara. Esta película, que podríamos considerarlo como un western moderno, es, en el fondo, un estudio sobre el espíritu humano. Cómo las personas, en ocasiones, tenemos que perdernos para encontrarnos, y como no todo es blanco o negro sino que está cargado de matices. Estéticamente es una película en la cual quedan muy bien retratados los paisajes duros y secos de la frontera mejicana. La banda sonora se apoya en la sugerente partitura que ha creado Marco Beltrami. El contraste de los dos mundos y sus gentes se hace patente durante la película. El peligroso desierto y el, a veces, acogedor mundo del pueblo son contrapuntos de la acción.

Como valores a trabajar tendríamos:
La amistad de Pete con Melquíades, detonante de la acción y presente, mediante flash backs, durante toda la película.
El compromiso que adquiere Pete con su amigo hace que su vida tenga un sentido y se convierta en una misión.
Contravalores como la venganza y el odio que marca el personaje de Mike Norton, un personaje ruin y rastrero que durante la película va abriendo los ojos a la auténtica realidad de la vida y de las personas.
El tema principal sería la redención que consigue este último personaje y la crítica velada que nos presenta el director sobre la pobre vida de los inmigrantes en Estados Unidos y en su lugar de origen,
Recomendable a alumnos de bachiller. .

La gran seducción

2007-10-10T09:46:00.000+02:00

Título original: La grande séduction
Dirección: Jean-François Pouliot.

País: Canadá.

Año: 2003.

Duración: 108 min.

Género: Comedia dramática.

Interpretación: Raymond Bouchard (Germain Lesage), David Boutin (Christopher Lewis), Benoît Brière (Henri Giroux), Pierre Collin (Yvon Brunet), Rita Lafontaine (Hélène Lesage), Clémence DesRochers (Clotilde Lesage), Lucie Laurier (Éve Beauchemin), Bruno Blanchet (Steve Laurin), Marie-France Lambert (Sylvie Auger), Donald Pilon (Mr. Dupré), Ken Scott (Richard Auger).

Guión: Ken Scott.

Producción: Roger Frappier y Luc Vandal.

Música: Jean-Marie Benoît.

Fotografía: Allen Smith.

Montaje: Dominique Fortin.

Dirección artística: Normand Sarrazin.

Vestuario: Louise Gagné.

En la pequeña comunidad de Saint Marie la Moderne, un pueblo perdido de Canadá, al haberse terminado la pesca, la única tarea que les queda a los hombres es recoger el cheque de la Seguridad Social. Con la ilusión de que una gran empresa construya una fábrica en el lugar, tienen la misión de encontrar un médico que habite el lugar durante cinco años.

Película simpática y pequeña sobre los avatares de un grupo de personas que apelan a la imaginación y en muchos casos a la mentira y a la manipulación.
Película de sentimientos humanos donde los personajes sienten con fuerza la necesidad de agarrarse a una solución para su futuro, si no idónea, si temporal.
Cinematográficamente la película tiene una buena fotografía y una banda sonora muy acorde con la vida costumbrista del pequeño lugar.
Recuerda a películas como “Despertando a Ned”, con esa mezcla de simpatía y seriedad que combinan perfectamente en al acción.

Se puede trabajar con los alumnos el tema de la “dignidad” que buscan los habitantes del lugar a través del trabajo. Valores como el esfuerzo, la solidaridad, la empatía y la amistad se contraponen a contravalores como la mentira y la manipulación, aunque al final prima el valor de la sinceridad para poder conseguir el objetivo marcado.
Aunque durante toda la película veamos la mentira que montan todos los habitantes del lugar para conseguir su doctor, tenemos la sensación de ver lo “auténticos” que son los distintos personajes principales.
Recomendable a partir de segundo y tercero de la ESO.

Prohibido prohibir

2007-10-09T17:24:00.000+02:00

Esta vez no hablaré de una película, porque la realidad en muchas ocasiones supera a la ficción.
Vaya por delante que soy un defensor de ir al cine siempre que se pueda, porque el cine es un arte que se disfruta, sobre todo, en pantalla grande y con sonido dolby stereo.
Sin embargo, en esta sociedad consumista donde las entradas de cine ya llegan a costar en algunos lugares 6´80 euros, al cambio unas 1000 pesetas de las de antes, me surge la siguiente pregunta: ¿Está tan mal bajarse películas de internet o comprar películas en el manta de las grandes ciudades?
Algunas veces han llegado a mis manos películas de las que te venden en la calle, y yo, tonto de mí, he pensado que esa manera de ver cine te quita la afición, porque se ve mal y se escucha peor.
Pero hace un tiempo, dando una vuelta por el centro de Madrid, me crucé con personas que vendían ¡¡2 películas por 5 euros!! y pensé ¿Cómo no van a decir que el negocio del cine se va a pique si no ponen nada de su parte para evitar esta sangría de "los manta"?
Lo cierto es que los señores que controlan la industria no se toman nada en serio lo de controlar estas ventas de tapadillo ¿por qué? Yo creo que en el fondo no les conviene, ya que están montados en un negocio, que lo admitan o no, es muy lucrativo para ellos.Es por eso que nunca, y repito NUNCA, estaré en contra de esos pobres negros, moros, rumanos, si os dais cuenta todos inmigrantes, que, por desgracia se tienen que ganar la vida así en las grandes ciudades. Un negocio que bien poco les va a ayudar a ellos.
Y si los señores del cine quieren solucionar lo que ellos denominan el gran problema del cine actual, lo tienen muy sencillo: Bajen el precio de las entradas, a 3 euros, por ejemplo. Vendan los DVDs más baratos, si periódicos deportivos te venden películas a un euro y hasta 50 céntimos de euro por algo será.
¿No será que no pierden tanto como nos quieren hacer creer?

Historia de una gaviota y del gato que le enseñó a volar

2007-10-09T16:57:00.000+02:00

Título original: La gabbianella e il gatto
Director: Enzo D´Alo
País: Italia
Año: 1998
Duración: 72 minutos
Género: Animación
Guión: Enzo D´Alo y Humberto Marino
Producción: Vittorio y Rita Cecci Gori
Música: David Rhodes
Montaje: Rita Rossi

Zorbas, un gato negro del puerto, se compromete con una gaviota a punto de morir en que cuidara el huevo hasta que nazca la cría y que la enseñará a volar. Con la ayuda de los gatos del puerto tratará de conseguir cumplir su promesa. Por medio las ratasde las cloacas harán todo lo que esté a su alcance para que la misión fracase.

Estamos ante una animación diferente. Hay más vida tras Walt Disney, cada vez más venida a menos.
Con una animación de tres tipos según lo que quiere contarnos:
Descuidada e infantil cuando nos cuenta los sueños de la niña o las canciones de mamá gaviota.
Algo más trágica u oscura cuando nos presenta el mundo de las ratas y sus cloacas.
La más luminosa y menos deformada que nos enseña el mundo de los gatos.

El conjunto es bastante bueno. Nos cuenta una historia entrañable basada en la novela de Luis Sepúlveda publicada por Tusquets Ediciones, con ligeros cambios en el argumento para favorecer la acción de la película.
La novela incide más en la importancia de los libros y se adivina más claro el componente de intolerancia que se da en los marineros cuando nace Zorbas, un gato negro en el puerto donde los marineros suelen ser bastante supersticiosos.

En el film podemos ver los siguientes valores:
La solidaridad.
La acogida y aceptación del diferente.
La responsabilidad.
la colaboración para conseguir un fin.
El respeto a la naturaleza y a los animales.
El compromiso y la lealtad.
La importancia de la amistad.
El compañerismo.
La superación.
La búsqueda de la propia identidad.
La confianza en los otros.

Tema importante para trabajar con la película sería la interculturalidad, y el respeto que se da entre las razas diferentes, en este caso las gaviotas y los gatos.
En la película constatamos que no es necesaria la violencia cuando a los enemigos se les puede ganar con la astucia y que muchos problemas los resuelven la investigación y la calma, con soluciones que son un canto a la solidaridad, el amor, la amistad, la defensa de la naturaleza y la ética.

Whale rider. El jinete de las ballenas

2007-09-12T10:22:00.001+02:00

Título: Whale rider.
Dirección: Niki Caro.
Países: Nueva Zelanda y Alemania.
Año: 2003
Duración: 105 minutos
Género: Drama
Interpretación: Keisha Castle-Hughes (Pai), Rawiri Paratene (Koro), Vicky Haughton (Nanny Flowers), Grant Roa (Uncle Rawiri), Mana Taumaunu (Hemi), Rachel House (Shilo), Taungaroa Emile (Willie), Cliff Curtis (Porourangi), Tammy Davis (Dog), Mabel Wharekawa (Maka)
Guión: Niké Caro
Producción: Tim Sanders, John Barnett, y Frank Hübner
Música: Lisa Gerrard
Fotografía: León Narbey
Montaje: David Coulson

En una pequeña población costera de Nueva Zelanda, los Maoríes afirman ser descendientes de Paikea, el Jinete de Ballenas. En cada generación desde ya hace más de 1000 años, un varón heredero del jefe le sucede en el título. Ese momento ha llegado. El hijo mayor del jefe va a ser padre de gemelos: un niño y una niña. Sin embargo, la madre y el pequeño mueren en el transcurso del parto. El padre se exilia a Alemania y la niña superviviente recibirá por nombre Pai y quedará al cargo de sus abuelos. Aunque la relación con su abuelo pasa de la desconfianza al cariño, las tradiciones pesan mucho más y al llegar la hora de escoger un nuevo líder para el pueblo, Koro, su abuelo, reclama a los primogénitos de la tribu y le prohíbe a Pai que se prepare para un rol que nunca podrá asumir.

Película entre la leyenda y la realidad. Con mensaje ecologista y humanista, ya que está apoyada en las relaciones humanas y en el respeto a la naturaleza. Recuerda bastante a otra película que está en estos mismos parámetros, “El secreto de la isla de las focas” de John Sayles, aunque ésta podríamos encontrarla más social, ya que nos muestra bastante más las costumbres y la vida de una comunidad, la maorí, que no pasa por su mejor momento.

Como valores que vemos en la película y que podríamos trabajar en grupo estarían los siguientes:

La igualdad hombre – mujer
Pai no comprende el porqué de su condición de segundota sólo por ser una niña. Los compañeros de la aldea al principio se burlan un poco de ella pero después la admiran por su tenacidad. El papel de la abuela de Paikea es muy esclarecedor de cómo viven en realidad en estas aldeas, el hombre manda fuera de casa y la mujer dentro.

El valor de la tradición
El respeto a las tradiciones, a los cantos y a los mitos de los antepasados sale durante toda la película. Cantos al comienzo de la escuela de los líderes, vestidos tradicionales en las actuaciones del colegio o la última ceremonia que nos invita a pensar que saldrán adelante, fieles a sus costumbres.

La superación
Tanto personal como grupal, todos se unen en las adversidades, cuando las ballenas están encalladas, todo el mundo echa una mano. Cuando se solicitan los primogénitos para buscar a un nuevo líder los padres lo acompañan.

El respeto a los mayores
Aunque Pai no está de acuerdo en cómo la trata su abuelo jamás se queja ni le dice que no tiene razón, sólo le cuestiona tímidamente. Por parte de los niños es claro el respeto que tienen ante lo que los adultos les enseñan. La palabra de Koro es ley para toda la tribu. Su mujer, que es quien mejor le conoce, sabe cuándo se puede y cuándo no, hablar con él.

La confianza en uno mismo
Paikea sabe lo que puede hacer, se prepara sin que lo sepa su abuelo, y toma decisiones difíciles para su futuro, como la de quedarse en la aldea en lugar de viajar con su padre a Alemania, donde es evidente que tendría una vida más sencilla.

La cooperación
Del respeto de los unos con los otros vemos que nace la cooperación, raíz de la cultura maorí, como vemos a lo largo de toda la película.

La familia
Vemos en la película la unidad familiar compuesta por el abuelo, la abuela y la niña. La familia no se queda aquí sino que están siempre muy presentes los tíos para ayudar en lo que haga falta. El sentido de comunidad o tribu es casi familiar.

La gran final

2007-09-11T12:03:00.001+02:00

Título: La gran final
Dirección: Gerardo Olivares.
Países: España y Alemania.
Año: 2006.
Duración: 85 min.
Género: Comedia. Documental
Interpretación: Mahamadou Alzouma (André), Esentai Samer Khan (Kosan), Khoshibai Edil Khan (General), Kenshleg Alen Khan (Kumar Khan), Boshai Dalai Khan (Turkan), Ahmed Alansar (Aboubacar), Attibou Aboubacar (Hassan), Tano Alansar (Hamidou), Wirapitang Kaapor, Kinchiran Kaapor.
Guión: Chema Rodríguez; basado en un argumento de Gerardo Olivares.
Producción: José María Morales.
Música: Martín Meissonnier.
Fotografía: Gerardo Olivares y Guy Gonçalves.
Montaje: Rori Sainz de Rozas y Raquel Torres.

La película narra en clave de comedia y de documental cómo ven en tres lugares remotos como son la selva amazónica, el desierto de Teneré y Mongolia la gran final del mundial de fútbol que disputaron Brasil y Alemania en el 2002.

En esta sociedad donde el avance de las telecomunicaciones es palpable en hechos cotidianos, lo que menos podemos pensar es que el fútbol, opio actual del pueblo, llega a lugares tan remotos como los que nos enseña la película.
La película supone una bocanada de aire fresco dentro del panorama cinematográfico español. Con actores que no son tales, a una película de este tipo no se le piden unas buenas interpretaciones sino un fiel retrato de la realidad, y creo, bajo mi punto de vista, que se consigue.
Uno de los mayores aciertos es la narración que se realiza alternando las historias y, al mismo tiempo, el desarrollo del partido, con momentos muy simpáticos como cuando los indios deben buscar la señal en el árbol de las avispas o lo mongoles se enfrentan a los militares por la señal.

Se pueden trabajar los siguientes valores y temas:
La solidaridad.
La colaboración para conseguir un fin.
El compañerismo.
La confianza en los otros.
La unidad de los pueblos.
Sentido del humor.
La superación de las dificultades.
La influencia de las nuevas tecnologías.

Destacamos, de todas maneras dos temas muy importantes que aparecen a lo largo de toda la película:
La importancia de los ídolos que, en todas partes, hace que queramos ser como ellos, y si se puede cobrar tanto como ellos.
La diferencia de los géneros por las aficiones. Aquí las mujeres ven la estupidez masculina en cuanto quieren ver el partido de cualquier manera. No puedo dejar de indicar aquí otra película que vi hace poco tiempo y que se llamaba “Offside.Fuera de juego”, del iraní Jafar Panahi, que en clave de comedia dramática nos narra aquí las aventuras de un grupo de mujeres para poder ver un partido de clasificación de la selección de Irán para el mundial del 2006

Millones

2007-09-10T12:18:00.000+02:00

Título original: Millions
Dirección: Danny Boyle.

Países: Reino Unido y USA.

Año: 2004.

Duración: 98 min.

Género: Comedia dramática.

Interpretación: James Nesbitt (Ronnie), Daisy Donovan (Dorothy), Lewis McGibbon (Anthony), Alex Etel (Damian), Christopher Fulford (Hombre pobre), Pearce Quigley (Policía), Jane Hogarth (La madre), Alun Armstrong (San Pedro), Enzo Cilenti (San Francisco), Nasser Memarzia (San José), Kathryn Pogson (Santa Clara), Harry Kirkham (San Nicolás), Kolade Agboke (Ambrosio).

Guión: Frank Cottrel Boyce.

Producción: Andrew Hauptman, Graham Broadbent y Damian Jones.

Música: John Murphy.

Fotografía: Anthony Dod Mantle.

Montaje: Chris Hill.

Diseño de producción: Mark Tildesley.

Dirección artística: Denis Schnegg.

Empezando de nuevo tras la muerte de su madre, Anthony, de nueve años de edad, se muestra siempre pragmático, mientras que su hermano pequeño Damian, dos años menor que él, emplea la imaginación, la fantasía y la fe para que su confuso mundo tenga un sentido. Una bolsa llena de billetes cae de los cielos a pies de Damian y llevará a los niños a unas situaciones extraordinarias que les hace darse cuenta de que el verdadero valor de las cosas no tiene nada que ver con el dinero.

Esta película el director de “Transpotting” es un cuento de hadas y como tal está narrado. El universo visual de este director ya quedó demostrado en películas como “Una historia diferente”. Aquí sigue apoyando la acción en una buena banda sonora y en una estética de colores pastel. Los intérpretes son básicamente los niños, ya que sobre ellos descansa la acción de la película. Los adultos tienen personajes secundarios.

La película trabaja los siguientes valores:
· El valor de la familia.
Después de la muerte de su mujer, Ronnie y sus dos hijos se trasladan a vivir a un barrio más rico que el barrio obrero en el que vivían. Su cambio social no supone una variación en la unidad familiar que tienen el padre y los dos hijos. El cariño que se da entre ellos marcará la línea amable de la película. A pesar de ser muy diferentes, los dos hermanos comparten su tiempo y su cariño durante toda la película.
· La honradez
Sobre todo en el papel de Damian. Es un alma pura. Toda la película se observa en él su incapacidad de mentir. Es una persona que dice lo que siente y siente lo que dice. Como objetivo en su vida está el ser buena persona y el intentar ayudar a los demás. Se ve cuánto le cuesta mentir y tener secretos con sus seres más cercanos, como su padre o la chica que recauda dinero para hacer pozos en el tercer mundo.
· La generosidad
Otro de los valores importantes de Damian es la generosidad innata que tiene. Cuando encuentra el dinero no hace planes para ver qué va a comprar con él, sino que piensa a quién puede ayudar y cómo puede llegar al máximo de personas. No valora el dinero, más bien lo considera un problema.

También podemos trabajar algún contravalor:
· El consumismo
Sobre todo encarnado en Anthony, el hermano de Damian, siempre quiere tener el mejor móvil, “contratar” su guardia personal e invertir el dinero que cae en sus manos, engañando y trapicheando para poderlo conseguir. Es divertido cuando tratan de cambiar la moneda en parejas y le dice a su padre cómo les van a robar el dinero; el padre entonces se pregunta a qué familia pertenece.
Consumismo se ve también en los adultos, los mormones, en cuanto reciben el donativo les falta tiempo para gastar el dinero. El propio padre y Dorothy, cuando la casa es atracada les da por gastar sin sentido.

Poniente

2007-09-04T12:33:00.001+02:00

Título: Poniente

Dirección: Chus Gutiérrez.

País: España.

Año: 2002.

Duración: 96 min.

Interpretación: Cuca Escribano (Lucía), José Coronado (Curro), Antonio Dechent (Miguel), Mariola Fuentes (Perla), Antonio de la Torre (Paquito), Farid Fatmi (Adbembi), Idilio Cardoso (Pepe), Alfonsa Rosso (María), Marouane Mribti (Saïd).

Guión: Chus Gutiérrez e Icíar Bollaín.

Producción: Ana Huete e Iñaki Núñez.

Música: Tao Gutiérrez.

Fotografía: Carles Gusi.

Montaje: Fernando Pardo.

Vestuario: Bina Daigeler

"No tengo ni patria ni linaje, soy de cualquier sitio como el sol, planto mis raíces en el aire, y cada estrella es mi nación..."

La historia de Lucía está marcado por la huída que protagonizó de su casa al morir su hija. Ahora, cuando ha rehecho su vida, trabaja de profesora y tiene una hija, recibe la noticia de la muerte de su padre, por lo que tiene que volver a enfrentarse con sus fantasmas del pasado y comprobar la situación que se vive en la España del sur.
Una historia de tolerancia e intolerancia, de éxitos y fracasos, de sueños y realidades.
Ante la tolerancia de Curro, que también en su juventud fue emigrante en Alemania, está la intolerancia de los agricultores explotadores, un poco maniquea su presentación, y del pueblo en general.
De éxitos como el de Lucía, que con mucha ilusión y voluntad trata de sacar adelante el trabajo de su padre, y del fracaso de los buenos sentimientos de Curro que al final no conseguirá lo que se propone.
De sueños, como los de todos los emigrantes que buscan una vida mejor allá donde van porque de donde han salido no pueden conseguir más, y de realidades de una sociedad cerrada, intolerante y equivocada.
Varios valores se pueden trabajar en esta película en la cual podemos recordar los dramáticos incidentes sucedidos en El Egido hace varios años.

Fuerte Apache

2007-09-04T08:50:00.000+02:00

Título: Fuerte Apache

Dirección y guión: Mateu Adrover.
País: España.

Año: 2007.

Duración: 97 min.

Género: Drama.

Interpretación: Juan Diego (Toni Darder), Lolita Flores (Carmen), Pep Tosar (Miguel Ángel Ros), Jordi Rico (David Fernández), Marta Marco (Lidia Adell), Pau Derqui (Ramón Cases), Hamza El Hilali (Tarik), Eric Álvarez (Lucho), Yorel Campos (Chicharra), José Tejera (Kevin), David López (Santos).

Producción: Jaume Roures y Enrique González Macho.

Música: Óscar Maceda.

Fotografía: Pancho Alcaine.

Montaje: Eloy González y Goyo Villasevil.

Dirección artística: Mónica Bernuy.

Vestuario: Sebastián Laporte.

Hacía tiempo que no veía una película con esta carga de sinceridad. En el comienzo podríamos pensar que estamos viendo una película colombiana o venezolana, por el tipo de fotografía y el montaje agresivo, pero no tardamos en averiguar que nos encontramos con una película ambientada en la Barcelona de la actualidad.

Nos cuenta la historia de Toni, un educador de menores que se encuentra un poco de vuelta de todo, es buen profesional al precio de no tener vida personal y no ser apreciado en muchas ocasiones. Dos personas entrarán en su vida cambiándola. Tarik, un joven marroquí aún por malear, y Carmen, la camarera del bar que frecuenta Toni.

Muy buena para trabajar valores como el esfuerzo, la exigencia, la tolerancia, la amistad, el respeto y la solidaridad.

Se pueden trabajar temas como la realidad social, la violencia física y estructural, el consumismo y la pobreza.

Se puede profundizar en el papel de los educadores y de los muchachos, el porqué de su realidad y cómo han llegado a ella.

La vida es un milagro

2007-08-31T11:27:00.000+02:00

TITULO ORIGINAL: Zivot je Cudo (La Vie est un miracle)
AÑO: 2004
DURACIÓN: 155 min.
PAÍS: Serbia-Montenegro
DIRECTOR: Emir Kusturica
GUIÓN: Emir Kusturica
MÚSICA: Dejan Sparavalo
FOTOGRAFÍA: Michel Amathieu
REPARTO: Slavko Stimac (Luka), Natasa Solak (Sabaha), Vesna Trivalic (Jadranka), Aleksandar Bercek (Veljo), Vuk Kostic (Milos), Nikola Kojo (Filipovic) Branislav Lalevic (Presidente)

Vivir es un milagro, y si es en un sitio vapuleado por la guerra y la intolerancia, aún mayor. Qué se puede decir de una película que desde su título es todo un tratado de principios. Para el que siga el cine de Emir Kusturica sabe que realiza un cine extraño, sugerente y visualmente poderoso. Sus películas suelen ser hipnóticas, deslavazadas y excesivas, mezcla músicos, bailarines, animales y lo que le entre en plano.
Esta sensación caótica que pretende transmitir es la que se debe vivir en un país azotado por la guerra sin sentido que hizo matarse entre amigos y hermanos por causas nada claras.
Luka es un ingeniero servio que vive con su mujer Jadranka y su hijo Milos en una casa perdida en la montaña en mitad de ninguna parte. De repente su vida cambia, su mujer le abandona, a su hijo le alistan para la guerra y le toca vigilar a una prisionera musulmana para poder intercambiarla por su hijo, cuando éste es hecho prisionero en una batalla. Las cosas no pueden ir peor, pero para una persona tan esperanzada siempre habrá una salida.
Podemos trabajar varios valores con esta película.
La solidaridad que surge de los seres humanos en los momentos más difíciles.
La amistad que hace que nos apoyemos en los momentos más duros.
El amor que puede surgir en cualquier momento.
El optimismo que debemos tener de cara a afrontar la vida.
La paz como finalidad en nuestra vida, personal y mundial.
La superación de cada uno en los momentos más álgidos.
Y sobre todo el aprecio a la vida, a la propia y a la de los demás, porque en el fondo la vida es el milagro más maravilloso.

Recomendable a partir de 16 años.

Pesadilla antes de la navidad

2007-08-30T09:13:00.000+02:00

TITULO ORIGINAL: The Nightmare Before Christmas
AÑO: 1993
DURACIÓN: 75 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Henry Selick
GUIÓN: Caroline Thompson (Historia: Tim Burton)
MÚSICA: Danny Elfman
FOTOGRAFÍA: Pete Kozach
GENERO: Animación

Jack Skeletor está agobiado de triunfar siempre en la celebración de Halloween, busca nuevos retos porque no se siente triunfador, a pesar de que todo el mundo le adora. Perdido en sus cavilaciones llega a un lugar mágico con árboles que en realidad son la entrada a ciudades de cuento o de tradiciones. Por una casualidad, buscando a su perro Zero, cae en la ciudad de la Navidad, una fiesta de la que no había oído hablar y...

Estamos, sin la menor duda, ante una de las mejores películas de animación de toda la historia.
Una fantasía animada con una banda sonora increible. Yo no soy amante de los musicales pero de esta película hasta me sé las letras de algunas canciones.
Formalmente perfecta, se podrían trabajar los temas del autoconocimiento, de la superación y de la amistad.
Al ser una película de las que consideraríamos cortas, se puede trabajar en una clase, aunque el público objetivo serían mayores de 12 años, ya que más pequeños no llegarían a entender nada.

La gran seducción

2007-08-29T13:08:00.000+02:00

TITULO ORIGINAL: La grande séduction
AÑO: 2003
DURACIÓN: 108 min.
PAÍS: Canadá
DIRECTOR: Jean François Pouliot
GUIÓN: Ken Scott
MÚSICA: Jean-Marie Benoit
FOTOGRAFÍA: Allen Smith
REPARTO: Raymond Bouchard (Germain Lesage), David Boutin (Chistopher Lewis), Benoît Briére (Henry Giroux), Pierre Colin (Yvon Brunet), Lucie Laurier (Eve Beauchemin), Clémence Desrochers (Clotilde Lesage)
PRODUCTORA: Max Films Productions

Comienzo mis comentarios de cine hablando de esta película. Es una película de sentimientos, de valores y de esfuerzos.
Sentimientos, los que nos provocan los actores dentro de la acción general de la película.
Valores, los que tienen los personajes de la película.
Esfuerzos, los que realizan todos para conseguir que la ansiada fábrica se instale en San Marie La Moderne.
Yo es una película que aconsejo para trabajar temas como la sinceridad, la honestidad, la responsabilidad, la amistad, el esfuerzo y la solidaridad.
Por contra podremos ver valores negativos como la manipulación y la mentira, aunque en este caso está disculpado por ser para lo que es.
A nivel cinematográfico podemos decir que cuenta con una banda sonora muy pegadiza y ágil, con una fotografía espectacular y con unas interpretaciones de lo más valorable.
Recomendable para toda la familia.